New Kicks On The Blog

€ sides and rarities : ma compile 2011

2011-12-29T08:54:00.000-08:00

Je sors de ma léthargie pour te proposer ma compilation des titres que j’ai le plus écoutés cette année. Ce ne sont pas forcément les plus hype, ni ceux que tu retrouveras sur les prétentieux samplers d’autres sites. Juste une sélection 100% subjective de ce qui m’est passé entre les oreilles au cours de l’année.Pour le titre, une référence à l’effondrement de l’Europe s’imposait. Après les A sides de Soundgarden, les B sides de Nick Cave et même les C sides de McLusky, voici mes € sides and rarities. Comme d’habitude, n’oublie pas d’acheter tout ce qui te plait. La compile et l’artwork sont disponibles via la page Facebook du blog ou sur simple demande par email. Bon amusement. Ou pas.

PJ Harvey – The Last Living Rose (GB)

« Goddamn Europeans / Take me back to / Beautiful England… » On ne pouvait pas imaginer meilleure entrée en matière pour une compilation qui célèbre la première année du déclin de l’Empire européen. Accessoirement, Polly Jean a signé en 2011 son meilleur album depuis au moins quinze ans.

Le site officiel de PJ Harvey.
Ecouter "The Last Living Rose"

Honey For Petzi – Power Loss (CH)

Invités surprises de cette compile 2011, le trio suisse Honey For Petzi a égayé mes oreilles tout au long de l’année avec cette face B d’un single sorti sur le label français African Tape. Belle mélodie, refrain plein d’harmonies bien trouvées. Au passage, le franc suisse a atteint un plafond au cours de l’année. C'est bien de le préciser.

Ecouter Honey For Petzi sur MySpace.
Honey For Petzi sur AfricanTape.

Slice and Soda – Year of the Dragon (FRA – GB)

Chaque année est l’occasion de célébrer l’héritage du Dieu David Bowie. En 2011, c’est le duo franco-britannique Slice and Soda qui s’y est collé, avec un "Year of The Dragon" qui combine toutes les ficelles disco-rock de "Let’s Dance", "Scary Monsters" et "Ashes to Ashes". Même le timbre de voix légèrement dissonant y est. L’histoire ne dit pas s’ils ont payé des droits d’auteur pour la ligne de basse. Coucou au passage à celle qui m’a fait découvrir cette pépite, elle se reconnaîtra.

Slice And Soda sur MySpace.
Ecouter "Year of the Dragon"

Iceage – New Brigade (DEN)

Il paraît que Iceage est devenu hype. Mais comme je ne suis pas les sites qui répertorient les buzz du moment, je m’en balance un peu. On a donc ici affaire à des jeunes cons danois qui chantent faux, qui jouent faux, qui s’enregistrent tellement mal que ça en devient insultant pour les garages. Et pourtant, c’est foutrement efficace. Mention spéciale pour le final de ce morceau, en guise de refrain pour stades de foot.

Ecouter Iceage sur Myspace.
Regarder la vidéo "New Brigade".

Half Asleep – The Fifth Stage of Sleep (BEL)

Attention, ici on touche une corde sensible. Bientôt 10 ans d’une carrière impeccable pour Half Asleep. Le nouvel album est tellement bon que je me le suis offert moi-même pour Noël. Difficile de faire une sélection dans un tel condensé de pop froide, de folk baroque et de murmures sourds. J’ai finalement choisi cette chanson-ci pour son crescendo en filigrane jusqu’à l’étouffement final. Album indispensable de l’année. Et si tu accroches, va donc aussi écouter les précédents et l’incroyable reprise du Butcher’s Boy de Buell Kazee. Half Asleep reste un solide coup de boule dans la tronche de toutes celles qui, en 2011, se sont senties obligées de singer les premiers albums de Cat Power.

Ecouter en streaming "Subtitles for the Silent Versions", le dernier album de Half Asleep.
Half Asleep sur MySpace.

Pterodactyl – School Blue (USA)

C’est déjà le cinquième disque de Pterodactyl. Et c’est celui qui marque le passage des New Yorkais dans la catégorie supérieure : mieux composé, mieux enregistré, mieux produit. On entend même la basse ! Et cerise sur le gâteau : soit ils ont appris à chanter, soit la nouvelle version de ProTools est vraiment fantastique. "School Blue", c’est un peu des polyphonies made in Brooklyn.

Regarder la vidéo de "School Blue".
Pterodactyl sur Jagjaguwar.

Owen – No Place Like Home (USA)

Pas grand chose à dire sur cette chanson pop-folk parfaite. Il y en a tellement qui se cassent la tête à vouloir ajouter des artifices de hippies à leurs compositions qu’on se surprend à réapprécier les choses simples. Ce titre d’Owen, qui n’a a priori rien de particulier, m’a cueilli au menton par son efficacité. C’est bien foutu, efficace et direct.

Ecouter en streaming l'album "Ghost Town" d'Owen.
Owen sur Polyvinyl.

The Walking Ghost Phase – Rockatansky (BEL – ESP)

Ici aussi, celle qui m’a poussé à la découverte se reconnaîtra. Deux frères belges expatriés à Valence pour truffer leurs compositions électro de références littéraires et cinématographiques. J’aime autant pour la forme que pour le fond.

The Walking Ghost Phase sur MySpace.
Télécharger l'album.

White Hills – Paradise (USA)

Si tu n’accroches pas dès les 30 premières secondes, passe ton chemin. Sur son dernier album, White Hills a osé la variation sur un même thème de plus de 12 minutes. Bruyant au possible, plus psyché que ça tu meurs, multi-orgasmique pour celui qui se laisse prendre au jeu, suicidaire pour les autres.

White Hills sur Thrill Jockey Records.
Regarder la vidéo de "Paradise" (version courte).

REM – Oh My Heart (USA)

Puisque mon premier amour rock a décidé de ranger ses crampons cette année, je me devais de lui rendre un dernier hommage. Cette ballade en trois accords m’a glacé le sang cette année et pour plein de raisons différentes. Notamment parce que je l’ai découverte le jour où j’accompagnais ma petite à l’hôpital pour m’assurer qu’elle n’avait pas hérité du cœur polyrythmique de son père. RAS. REM. Ce ne sont que trois lettres, mais ça fait un bien fou. Au passage, on notera ce qui me semble être l’unique raison de la mise à la retraite de REM : la voix de Michael Stipe semble avoir atteint le maximum de son potentiel. S’ils continuaient, les prestations vocales auraient commencé à décliner. Chapeau bas pour avoir osé partir avant de sombrer dans le pathétique.

Regarder la vidéo de "Oh My Heart" (live)
Le site officiel de REM

Tom Waits – Bad As Me (USA)

La bonne nouvelle, c’est qu’en 2011, sortent encore des disques de blues qui vous décollent le cuir chevelu. La leçon vient de Tom Waits, près de 40 ans de carrière au compteur, qui nous gratifie d’une petite démonstration d’interprétation carrément diabolique. Il faudrait presque baisser le volume pour éviter les postillons.

Ecouter "Bad as Me"
Le site officiel de Tom Waits

Les Yeux de la Tête – Le Grand Martin Quequoi (FRA)

Sortir un album qui réalise le grand écart entre lourdeurs métalliques et free jazz aérien sans recourir à la moindre guitare, c’est le pari relevé haut la main par Les Yeux de la Tête. Ce morceau-ci est un bel exemple de grand bazar doom foutraque où saxophone, basse et batterie excellent dans leurs répliques. Sur la vidéo, à 1'35'', le bassiste a failli me convaincre de revendre ma Jazz Bass et de me mettre au triangle.

Le site officiel des Yeux de la Tête
Ecouter les Yeux de la Tête sur MySpace
A regarder absolument : Le Grand Martin Quequoi (live)

Liturgy – Generation (USA)

Le coup de massue final arrive à grands pas. Conspués par les abrutis les plus réactionnaires, ces quatre gamins, dont le look leur vaut la comparaison avec Hanson, sont en train de botter tous les culs de la planète métal. Sur "Generation", qui se cantonne à un seul accord, c’est le batteur qui laisse dérouler tout son talent. Attention à la crise d’épilepsie.

Ecouter Liturgy sur MySpace.
Regarder la vidéo de "Generation" (live)

Clytem Scanning – Massue (FRA)

Quelques références à Nine Inch Nails entièrement assumées, la voix bien calée sur un beat assez lugubre et voici un titre pas assez propre pour passer sur les ondes à une heure de grande écoute. Donc suffisamment sale pour figurer dans ma compile.

Regarder la vidéo de "Massue"
Le site officiel de Clytem Scanning

Gnod – Vatican (GB)

Si tu tiens encore debout, c’est peut-être le moment de t’asseoir. Gnod a signé avec "Ingnodwetrust" le disque auquel je décerne sans hésiter le titre d’album de l’année. Sorti uniquement en vinyle, un titre par face et zéro promo. Un autre album est déjà sorti entretemps. Ainsi que la réédition (en cd, cette fois), d’un split avec les susnommés White Hills. Le temps de lire ces quelques lignes, l’agonie a déjà commencé. Gnod, c’est plutôt brutal, façon panzer et tout et tout. Attention, à 6'00'', tu vas avoir droit à une seconde de répit. Profites-en, tu vas en avoir besoin avant d'affronter les 6 minutes qui suivent...

Ecouter "Vatican"
Le site officiel de Gnod
Ecouter Gnod sur MySpace

La compile et l’artwork sont disponibles via la page Facebook du blog ou sur simple demande par email.

Les Yeux de la Tête - Nerf

2011-09-10T06:22:00.000-07:00

Trio normand de rock instrumental, Les Yeux de la Tête reviennent avec Nerf, un deuxième album composé de « neuf titres vengeurs », selon la propagande officielle. Le premier album, L’œuf du Cyclone, sorti sur le Petit Label et désormais épuisé, alternait compositions originales et reprises pour le moins explosives de Franck Zappa, Jimi Hendrix ou encore… Stravinsky. C’est dire si ces gaillards n’ont pas peur de s’attaquer aux virtuoses.

Pour cette deuxième sortie, les Caennais se sont remis à l’écriture pour laisser de côté les reprises. Le résultat n’en est que plus convaincant. Nerf est un pas de géant accompli en direction des maîtres du rock sale et bancal que sont les Jesus Lizard, Shellac, les Melvins ou Cathedral. Souillée mais foutrement sophistiquée, la musique des Yeux de la Tête ne rechigne pas à emprunter les méandres qu’on pourrait trouver pompeux dans un registre purement prog-rock, mais en y ajoutant une bonne perfusion de testostérone punk qui rend l’ensemble carrément irrésistible. Structures alambiquées et saturations épaisses sont au rendez-vous de ce disque sans concession. S’il fallait n’en retenir qu’une, je pointerais sans hésitation aucune Le Grand Martin Quequoi, improbable dédale tout en tensions et contorsions.

Ah oui, petit détail anodin : Les Yeux de la Tête, c’est un trio basse, batterie et… saxophone. Difficile à croire sur les 10 premières secondes de l’album, mais pourtant véridique. Il n’est point question de guitare ici. Ce qui en amène certains à les classer dans la catégorie jazz-rock. Pour moi, Les Yeux de la Tête, c’est tout simplement un des meilleurs groupes de rock du moment. Que les parties de gratte soient jouées au sax, ce n’est finalement qu’un détail.

A regarder : Le Criquet infernal

A regarder : Barghest (live @ Barcelone)

Barghest@Barcelona

Les liens
Le site officiel
Les Yeux de la Tête sur MySpace
Commander l'album chez Mandai (Belgique)
Commander l'album chez Head Records (France)

USX - The Valley Path

2011-08-20T14:26:00.000-07:00

Après 2 albums et un EP resplendissants signés sur Neurot Recordings, US Christmas revient à la charge (et quelle charge) avec un nouvel album concept baptisé The Valley Path. Les précédents exercices avaient fait la part belle à un rock remarquablement civilisé pour les habitués aux bourrasques qui entourent la bande à Neurosis.

Eat The Low Dogs et surtout le plus récent Run Thick In The Night proposaient ainsi une alternance de pépites space rock (l’incontournable The Scalphunters, In The Night) et de ballades plus ou moins déprimantes (Fire is sleeping, Ephraïm in the Stars), dans le plus grand respect d’une ligne directrice tracée par les maîtres d’Hawkwind. Pas étonnant d’ailleurs que US Christmas se retrouve aux côtés de Minsk et Harvestman pour un album de reprises d’Hawkwind sorti l’an dernier.

A écouter : The Scalphunters (extrait de Eat The Low Dogs)

A écouter : Ephraïm In The Stars (extrait de Run Thick In The Night)

L’exercice de style leur a sans doute donné des idées, puisque pour ce 3^e album à sortir sur Neurot, c’est Sanford Parker qui se charge de la production. Souviens-toi, je t’ai déjà parlé plusieurs fois de ce type. Sanford Parker, c’est ce guitariste hyperactif qui mène la barque de Minsk, mais aussi jadis de Buried at Sea (qui semble d’ailleurs revenir discrètement à la scène) et plus récemment de The High Confessions. Confortablement installé derrière les manettes, Parker n’a pas hésité à sortir l’artillerie lourde pour ce nouveau disque.

Les arrangements de cordes, la voix haut perchée, les riffs de guitare noyés sous les réverbes sont toujours au rendez-vous. Mais sur The Valley Path, la surprise provient surtout de la structure de l’album : un seul morceau, long de 39 minutes. LA marque de fabrique de Sanford Parker, lui qui considère que la musique se martèle sur la durée. Lui qui croit dur comme fer qu’un enchaînement d’accords doit pénétrer dans le crâne au marteau-piqueur. Lui qui n’entrevoit aucun avenir pour la subtilité et les politesses.

Nous voici donc confrontés à un album mutant, qui gravite autour de 2 thèmes principaux. Comme si 2 morceaux de 20 minutes chacun avaient été découpés en petits bouts de longueurs différentes et recollés les yeux fermés. Ici le premier thème, là le second. Et entre les deux, de longues et abstraites digressions qui font de The Valley Path un album vraiment à part dans la discographie de US Christmas. Un album tellement à part que le groupe, outre ses multiples changements de line-up depuis ses premiers pas, répond désormais officiellement au doux sobriquet de USX. Une énième transformation déjà entamée à la sortie de l’album précédent, présenté en pochette comme USX-RTITN. Comprenez US Chrismas – Run Thick In The Night.

A écouter : The Valley Path

Les liens

US Christmas sur MySpace
US Christmas sur Neurot Recordings

Amon Tobin - Isam

2011-06-26T13:58:00.000-07:00

L’an prochain, Amon Tobin fêtera ses quarante balais. Au-delà du fait que ça ne nous rajeunit pas (oh putain…), cette information sans aucun intérêt aurait pu nous faire douter de la capacité du DJ brésilien à continuer à assumer son rôle de précurseur dans le domaine des musiques électroniques.

Débarqué en 96 sur le label Ninja Tune (where else?), voici qu’il nous livre cette année un 8^e album qui se présente sous la forme d’un point d’interrogation : après avoir botté nombre de culs sur les dance floors en mélangeant allègrement drum’n’bass, rythmes latinos, hip hop et jazz, serait-il encore en mesure de pondre un album qui serait un peu plus qu’un « simple 8^e album d’Amon Tobin » ?

La question était d’autant plus pertinente que son dernier disque, l’incroyable Foley Room sorti en 2007, faisait déjà office de testament sonore. Amon Tobin ne précédait-il pas ses sets de la tournée qui suivit de documentaires (fort peu intéressants) sur les techniques de capture sonore d’… Amon Tobin ? Pourtant, déjà à l’époque, si Foley Room était plus intimiste et absolument indansable, je garde le souvenir d’un concert épique à l’Ancienne Belgique, non pour la prestation elle-même mais bien pour l’installation acoustique qui lui servait d’écrin : le premier concert en 7.1 jamais donné dans le plat pays. Pour le coup, ça partait littéralement dans tous les sens. Le son rebondissait sur les murs de la salle.

Avant de sortir ce nouvel album, Amon Tobin nous avait d’abord servi en guise de mise en bouche un single inédit paru en 2009 : Eight Sum, sorte de rengaine électro-tribale qui aurait pu marquer un retour à des rythmes invitant au déhanché.

A écouter : Eight Sum

Autre apéritif, l’hallucinante vidéo du single Esthers, sortie de nulle part en 2010, ou comment donner un second souffle à un titre sorti il y a quatre ans.

A regarder : Esthers

Pourtant, à sa sortie, Isam, le nouvel album, laisse dubitatif. On sent que l’artiste s’est amusé à le composer. On sent qu’il s’est fait plaisir. On sent l’énorme travail qu’a dû représenter la fabrication de ces douze ovnis sonores. On sent la difficulté de l’exercice. Mais malheureusement, l’écoute se révèle également tout aussi difficile. Très downtempo, façon Scorn. Très déstructuré façon Aphex Twin. Très abstrait façon Autechre. Aucun des morceaux de cet album n’a quoi que ce soit à faire sur un dance floor. Au mieux, le titre Goto10 recèle un semblant de mélodie dubstep qui pourrait encore réveiller une foule. Mais pour le reste… Amon Tobin s’enfonce encore plus profondément dans une démarche qu’il avait initiée avec Foley Room : composer une musique électronique qui refuse obstinément toute forme d’étiquette. A fortiori celle de musique dansante.

La chronique se serait arrêtée ici si, le 10 juin dernier, Amon Tobin n’avait fait un passage ultra remarqué à l’Ancienne Belgique. En fans suspicieux mais inconditionnels, nous nous ruons sur les tickets comme des Tunisiens sur l’illusion démocratique. Et là, c’est la claque monumentale. Certes, si tu t’attendais à danser toute la nuit, le set live d’Amon Tobin recèle aussi peu d’intérêt que l’album. Mais côté visuel, Jésus, Marie, Joseph…

L’effort est monstrueux et impossible à décrire avec des mots. En s’y risquant tout de même, on pourrait résumer en disant qu’Amon Tobin joue cloîtré dans un cube, lui même perdu au milieu d’une construction géométrique faite d’autres cubes blancs, tous alignés et orientés à 45° par rapport à la scène. Sur cette structure, plusieurs machines projettent l’image de… la structure elle-même. Et, au rythme de la musique, cette image bouge, fond, mute, s’écroule, se reconstruit, se transforme, évolue, avance, recule, gonfle, se liquéfie, part en fumée, etc.

Bref, pour faire simple : Amon Tobin joue dans une structure rigide, mais en mouvement. L’illusion est parfaite, les réglages s’opèrent au millimètre et relèvent de la haute voltige. Pour la première fois de ma vie, j’ai VU LA MUSIQUE (et pourtant je n’avais rien avalé d’illégal). D’autres musiciens électroniques se sont souvent efforcés de s’accompagner de projections visuelles pour densifier leurs prestations. Mais jamais la musique et l’image n’avaient fait corps à ce point. Au mieux, j’avais déjà pris des claques à des concerts de Chris Cunningham. Etienne De Crécy avait déjà exploité l’idée des cubes en trois dimensions l’année dernière, mais avec beaucoup moins de succès. Ici, c’était tout simplement incroyable.

Conclusion : en sortant du concert, j’ai bien évidemment réécouté attentivement cet album. Et c’est un incontournable. Maintenant que j’ai VU cet album, je l’entends tellement différemment. Ce constat est d’une terrible cruauté : Isam est l’album le plus élitiste que j’ai jamais entendu, tout simplement parce qu’il s’adresse à une poignée d’élus, ceux qui ont eu la chance d’assister à un concert de cette tournée. Cet album, c’est un souvenir du concert, comme une photo de classe qui nous rappelle la belle époque ou une bouteille de gnôle qu’on ramène de vacances pour en conserver l’arrière-goût. L’écouter, c’est se repasser des tas d’images. Et donc par extension, j’en suis navré, Isam restera un objet inclassable, difficile à appréhender et d’une complexité inutile pour la plupart des paires d’oreilles qui peuplent cette planète.

A regarder : un documentaire (court) sur le premier concert de la tournée Isam Live.

A regarder : un documentaire (un poil plus long) sur les coulisses de la tournée Isam Live.

Les liens :

Le site officiel d'Amon Tobin
Amon Tobin sur MySpace
Le site officiel de Ninja Tune

Aucan - Black Rainbow

2011-06-01T00:58:00.000-07:00

Difficile de passer à côté du phénomène Aucan. Hystérie passagère ou réelle valeur sûre ? A chacun de se faire son opinion. Il faudrait en tout cas faire preuve d’une sacrée mauvaise foi pour ne pas saluer le parcours atypique de ces trois Italiens.

Récapitulons. Un premier album éponyme sorti en 2009 et unanimement salué comme une version moins chiante de Battles. Les mots « version moins chiante » n’engagent que moi, mais la comparaison est là : instrumentaux au beat froid et mécanique, murs de guitares et légères touches de synthé. L’année dernière, Aucan ouvre une première brèche avec l’EP DNA (dont un morceau figure d'ailleurs sur ma vénérable compilation 2010). Le disque s’ouvre certes sur un riff de guitare agressif au possible, mais c’est pour mieux s’écarter du carcan et dévier rapidement vers des arrangements electro dansants.

Surprise du chef : le trio de Brescia s’y essaie même au chant (certains diront aux chœurs) avec un succès plus que relatif. L’EP s’avère toutefois d’une redoutable efficacité, synthèse dense et compacte de deux mondes finalement pas si éloignés : le math-rock et l’electro.

Avec Black Rainbow, Aucan devait confirmer cette belle impression et montrer que l’exercice de style pouvait également tenir la longueur sur tout un album. Deux options semblaient envisageables : continuer sur la voie d’un style hybride prometteur mais hasardeux ou revenir à des compositions plus classiques. Et c’est là qu’Aucan marque des points en prenant le monde à contre-pied : sur Black Rainbow, bien malin qui pourra encore déceler le moindre son de guitare. Ce sont désormais les machines qui prennent le relais pour une aventure electro-pop qui ne renie aucune de ses influences : rock, dubstep et même hip hop.

Les friands d’étiquettes en prendront pour leur grade : Aucan devient l’incarnation même du groupe inclassable. Celui qui, sur scène, pourrait se contenter de lire ses emails tranquillement retranché derrière ses laptops. Ou qui, au contraire, pourrait enflammer la foule en bondissant d’un instrument à l’autre. Je n’ai jamais eu la chance de les voir, mais il paraît que c’est plutôt cette deuxième option qui a été retenue. Pour poursuivre quand même dans la tradition rock, il paraît aussi que ça joue très fort.

Ce deuxième album d’Aucan, assez difficile à appréhender, est en tout cas à mettre au rayon des toutes bonnes sorties de cette année. La plage d’ouverture est catastrophique, mais le reste est d’excellente tenue. Retenons par exemple Red Minoga (comme si Amon Tobin se mettait tout à coup au rock progressif) et les bouillants Sound Pressure Level et Away! qui rappellent par moments certaines touches des Beastie Boys.

A regarder : Heartless (official video)

A regarder : Away! + Sound Level Pressure (live @ Le Klub à Paris)

Les liens :
Aucan sur MySpace
(l'album est en écoute libre)
Commander l'album sur AfricanTape

Liturgy - Aesthethica

2011-05-31T13:47:00.000-07:00

La musique s’écoute souvent à travers ses codes. A partir de ces codes sont déterminées les étiquettes qu’on collera sur tel ou tel groupe. Ainsi, il est de bon ton de considérer qu’un chanteur country doit porter un chapeau de cowboy, un rappeur une casquette et un métalleux une chevelure fournie. Les dreadlocks sont vivement conseillées aux musiciens de reggae et on imaginerait mal un guitariste hardcore dont les bras musclés ne seraient pas couverts de tatouages. Si on pousse l’analyse au niveau des sous-genres, le black metal reste sans conteste le style musical le plus codifié, tant au niveau auditif que vestimentaire : maquillages, accoutrements en cuir garnis de pointes et autres clous, râles profonds, rythmiques médiévales supersoniques et références à la grandeur du passé viking. Codes largement partagés et répandus par ses représentants, ses fans, ses journalistes.

Dès lors, pratiquer un black metal qui s’écarterait de la ligne directrice reviendrait presque à se bannir à vie d’une scène musicale aussi homogène que radicale. C’est pourtant ce que font les 4 gamins new-yorkais de Liturgy, avec un culot qui frise le crime de lèse-majesté. Du haut de leurs 20 ans à peine consommés, ils digèrent l’influence de trois décennies de vacarme métallique scandinave, qu’ils vomissent avec la dose d’inventivité qu’on est en droit d’attendre de la part d’un groupe de Brooklyn. Chez eux, on ne trouvera ni frocs en cuir, ni maquillages de démons, ni cottes de mailles. Pour l’aspect visuel, il faudra se contenter de quatre gringalets entre deux âges, plus proches des infâmes Hanson que des papys d’Immortal. Jeans, baskets, t-shirts délavés ou fluo et cheveux en bataille. Si la moitié du groupe n’était imberbe, on jurerait avoir affaire à une bande de hippies.

Mais une fois le bouton play enfoncé, les a priori vestimentaires cèdent rapidement sous les assauts d’un métal profondément noir, mélodique, bruyant, déstructuré et pourtant d’une limpidité rare dans ce courant musical. La production est parfaite, le son cristallin, le jeu de batterie, puissant et incroyablement nuancé, atteint des sommets du genre. C’est que, justement, Liturgy n’est pas du genre à se laisser emprisonner dans des cases réductrices. Bien au contraire.

Black metal, les Liturgy ? Sans doute. La voix caractéristique du chanteur Hunter Hunt-Hendrix (what’s in a name?) et certaines harmonisations plaident en tout cas en faveur de cette thèse. Mais ce serait dommage de s’arrêter là. Et ce serait encore plus dommage que ceux qui sont allergiques aux hurlements norvégiens passent à côté de ce disque incendiaire qui se profile déjà comme le meilleur album métal de l’année. N’ayons pas peur des mots, car Liturgy joue clairement un cran au-dessus du lot et balaie sur son passage tous les codes énumérés plus haut. Une avalanche de guitares, certes. Des cris à se dérouiller les cordes vocales aussi. Mais surtout un savant mélange de genres, entre métal, rock et noise. Des compositions d’une complexité telle qu’elles ne se révèlent qu’à la dixième écoute. Liturgy ose le pari des chœurs primitifs sur les introductions de True Will ou Glass Earth. Liturgy ose les bizarreries rythmiques comme le break (en sept temps, s’il vous plait) de Sun of Light. Liturgy ose les 7 minutes et 7 secondes sur pratiquement un seul et même accord (Generation), laissant la batterie construire elle-même sa propre partition. Et Liturgy ose également la blitzkrieg stoner doom, façon Karma To Burn, sur l’inévitable Veins of God.

Cerise sur le gâteau : sur scène, Liturgy fait l’effet d’un tsunami sonore, contraste saisissant entre la déferlante de décibels et l’apparente nonchalance de ces quatre post-ados parmi lesquels certains attendent encore les premiers signes d’une pilosité adulte. Pas grand chose à jeter, même pas cet artwork minimaliste et terriblement… blanc. Comme un poing sur la gueule de toute la scène black. Ou tout au moins sur ses codes.

A regarder : la vidéo de Returner

LITURGY // RETURNER from Thrill Jockey Records on Vimeo.

Les liens

Liturgy sur MySpace
Commander l'album sur Thrill Jockey

David Eugene Edwards live au Roots & Roses Festival

2011-05-02T13:49:00.000-07:00

Hier, vers 18h, David Eugene Edwards montait sur scène, au Roots and Roses Festival. Cet événement, je l’attendais depuis des années. Depuis 2005, pour être précis, et la séparation de ce qui reste un de mes groupes préférés toutes périodes et tous styles confondus : Sixteen Horsepower.

Ce concert devait avoir une saveur particulière pour au moins deux raisons.

La première, c’est que depuis 2005, même si j’ai vu son nouveau groupe Wovenhand à 4 reprises, plus jamais je n’ai eu la chance d’entendre le moindre titre de Sixteen Horsepower sur scène. Il en jouait encore de ci de là, mais pour quelques heureux élus dont je n’ai – hélas – jamais fait partie.

La seconde, c’est qu’il y a à peine deux semaines, nous avions assisté au Roadburn Festival à un concert bouleversant de Wovenhand, justement. Puissant, racé, violent, agressif. Mais surtout, un David Eugene Edwards physiquement très accablé. Rachitique, méconnaissable, la barbe épaisse, les paupières tuméfiées, il nous surprit à prendre le public à partie, lançant des onomatopées spasmodiques entre chaque morceau… et parfois même au beau milieu d’une chanson. Inquiétant.

Avec les copains du Roadburn, on a tout de suite su qu’on irait au Roots and Roses deux semaines plus tard. Pas seulement parce qu’il y jouerait en solo. Mais aussi par crainte que ce fût l’une des dernières représentations d’un homme visiblement très accablé, tant à l’intérieur qu’à l’extérieur.

Hier, vers 18h, David Eugene Edwards montait donc sur scène.

Même regard vide que deux semaines plus tôt, l’idole n’a manifestement pas profité de la gastronomie locale pour se remplumer. Accompagné de son claviériste, il s’assied, s’empare de son fameux banjo monté sur un corps de mandoline (j’en profite pour rappeler que c’est bientôt mon anniversaire) et entame les premiers arpèges de Whistling Girl. Impeccable.

Sur les quatre ou cinq premiers titres de son concert, David Eugene Edwards se contente de parcourir le répertoire de Wovenhand, lui offrant une interprétation dépouillée mais sans grande surprise pour les habitués. C’est vrai qu’en l’espace d’un an, je les avais déjà vus trois fois…

Mais c’est vers la moitié du set que la machine s’emballe. Sur le manche de sa petite guitare modèle parlour, le classique de la musique folk américaine des années 30, l’artiste esquisse les premières notes de Hutterite Mile, titre qui ouvre l’album Folklore, le dernier album studio de Sixteen Horsepower, alors que l’assistance se plonge dans un silence glacial. Soutenu par un clavier mortuaire, les yeux mi-clos, David scande ses textes comme s’il s’arrachait une dent à chaque mot. Nous y voilà. Il est revenu. En transe – éthylique ou pas, on s’en fout – il se lève à la fin du morceau et se perd, claudiquant entre gloussements primaires et pas de danse maladroits. Consternation et admiration.

Pas vraiment le temps de mesurer l’ampleur du drame qui est en train de se jouer sur scène. Lorsqu’il repose son cul sur sa chaise, c’est pour se lancer dans une version chamanique de Splinters, histoire d’enfoncer le clou encore plus profondément. Plus personne n’ose en douter : nous sommes bien en train de vivre un grand moment de musique. Même si l’homme dans les santiags semble sévèrement atteint. Même si ses mouvements semblent parfois lui échapper. Même si son visage meurtri, gris, transparent, n’inspire que crainte, tristesse et pitié. L’essentiel - le son qui sort de son mètre carré de scène – est tout simplement brillant. D’une justesse redoutable. D’une sincérité incontestable.

Jamais ses textes ne m’ont paru aussi douloureux. Pourtant Dieu sait si je les ai décortiqués. Jamais ils n’avaient été interprétés avec une telle profondeur. Et c’est bien là toute l’ambiguïté de l’événement : nous sommes forcément tous mitigés. Partagés entre le pur bonheur de réentendre ces chefs-d’œuvre dans leur plus simple expression et la tristesse d’assister sur scène au déclin de celui qui les a enfantés.

Car finalement, voilà toute la contradiction intrinsèque à la musique de Sixteen Horsepower. Les thèmes abordés (la rédemption, l’homme seul face à Dieu, le dogme dans toute sa violence, le péché, la douleur, le châtiment, le jugement, etc.) retrouvent toute leur splendeur dans une interprétation tellement pure qu’elle en devient décadente. C’est avec un genou à terre, au bord du gouffre, les épaules courbées et le visage gonflé par d’invisibles gifles que David Eugene Edwards leur offre leur plus bel écrin. Une forme de performance artistique ultime. Après lui, le déluge.

Difficile de ne pas risquer le rapprochement – toutes proportions gardées - avec les albums de la série America de Johnny Cash, quand celui-ci s’époumonait pour encore chanter trois notes justes… et s’avérait pourtant au sommet de son art.

Alors oui, ça me choque. Oui, je suis triste. Oui, j’ai dû retenir quelques larmes. Et oui, j’en ai bien peur, mais si la déchéance poursuit son travail, David Eugene Edwards risque de ne plus tourner très longtemps.

Mais je reste persuadé que j’ai assisté là à l’un des plus beaux concerts de ma courte existence. J’en suis d’autant plus marqué que, dans mes bras, ma fille de 3 ans et demi assistait pour sa part à son tout premier concert. Quelle chance.

L’histoire aurait pu s’arrêter ici. Juste après les conclusions. Sauf que le public ne s’y est pas trompé. Tonnerre d’applaudissements interminables à la fin du set. La bête revient dans l’arène après s’être fait désirer. Le pas peu assuré, il se retourne vers le claviériste et je lis sur ses lèvres le titre qui ouvrira le rappel. Celui que j’attends depuis toujours. Celui qu’on passera à mes funérailles. Celui que je chantais à ma gamine sur ma guitare, alors qu’elle était encore dans le ventre de sa mère. Celui qui m’a accompagné dans mes grandes tournées en rollercaster émotionnel depuis lors. Celui dont les paroles sont capables de me déchirer dans le sens de la longueur. Celui qui est gravé en moi depuis ce premier album, c’était au milieu des années 90.

Ça a commencé comme ça :

Et puis, ça s’est terminé comme ça :

Prosternation. Merci, mec.

Les liens

Wovenhand, le site officiel
Wovenhand sur MySpace

David Eugene Edwards - The Preacher

2011-03-20T15:51:00.000-07:00

Peut-être que, comme moi, tu n'as pas la télé. Peut-être que, comme moi, tu manifestes une étrange attirance pour la musique de David Eugene Edwards. Peut-être que, comme moi, tu regardes parfois des documentaires sur le net pendant que d'autres s'extasient devant trois connards qui apprennent à faire la bouffe devant des caméras. Peut-être que, comme moi, tu viens de découvrir qu'il était possible de foutre un cd en l'air uniquement en l'écoutant trop souvent. Et peut-être que, comme moi, tu n'es pas étonné de constater que c'est justement un cd de 16 Horsepower que tu vas devoir aller racheter parce qu'il saute tout le temps.

Peut-être que tu te demandes d'où vient cette mystérieuse fascination pour cette musique de cow-boys du Colorado, toi qui, comme moi, n'as aucune sympathie particulière pour la musique country.
Peut-être que tu te demandes si tu n'es pas en train de virer catho, à force d'entendre ces prières à longueur de journée.
Et peut-être que, comme moi, tu n'as toujours pas digéré la dissolution de 16 Horsepower, tournant majeur, pour toi aussi, dans l'histoire du rock. Tournant que tu peines également à expliquer.

Mon ami(e), aujourd'hui ce blog se transforme en télé pour toi.
Je te propose de découvrir un documentaire unique, tourné en 2000 par une chaîne néerlandaise, entièrement dédié à David Eugene Edwards : The Preacher.

A un moment, on le voit bouffer. Mais ne t'inquiète pas. Personne ne lui attribuera de cote pour sa tambouille à la fin de l'émission. Je me suis quand même permis de noter sa musique : je lui ai mis un 10/10 pour l'authenticité.

Les liens

David Eugene Edwards entame bientôt une tournée européenne en solo. Il passera notamment au festival Roots & Roses de Lessines le 1er mai prochain et à la Toneelhuis à Anvers le 30 avril.

http://www.wovenhand.com/

http://www.myspace.com/wovenhand

Lumerians - Transmalinnia

2011-03-06T12:45:00.000-08:00

Il y a quelques mois, une mystérieuse vidéo s’est mise à circuler d’email en email. “Mate un peu ça et ose dire que ce n’est pas de la balle.” Le clip en question montrait une bande d’allumés, fringués comme les bourrins de Sunn O))) invités à une soirée déguisée sur le thème de Fantomas. Une présentatrice, les cuisses à l’air, y introduisait les Lumerians, sombres inconnus venus interpréter deux titres dans un play-back outrancier. Mais bon dieu, ce premier morceau, quelle putain de claque ! Voici ce que ça donnait :

Depuis lors, les Lumerians ont sorti un single, Burning Mirrors, qui trônait d’ailleurs bien fièrement sur ma compile 2010 et a scuscité quelque enthousiasme parmi mes proches. Début mars, ils ont enfin publié leur premier album. Album sur lequel figure le fameux titre entêtant de la vidéo, avec sa ligne de basse galopante : Black Tusk.

Les Lumerians, c’est bien plus qu’un énième groupe de revival psyché. Si tu lis ce blog depuis quelques temps, tu en as déjà vu défiler à la pelle. Non, les Lumerians, c’est THE groupe psyché, celui qui domine tous les autres d’une bonne tête (encapuchonnée). C’est THE groupe qui fusionne à merveille 40 années de tout ce qui a influencé la musique pop de près ou de loin : rock, glam, disco, soul, electro, kraut, new wave. Et même un petit côté yéyé. Un petit côté BO de film avec Jean Yanne dans un col roulé. Un petit côté “Tiens, c’est marrant, ça sonne moins bizarre quand je prends plein de drogues.” Un petit côté “Je n’arrive pas à expliquer pourquoi je remue du cul en agitant les bras en l’air, mais au ralenti. Et je n’arrive pas non plus à expliquer pourquoi je me sens si léger.”

Les Lumerians, c’est aussi des chansons aux titres improbables. Comme Xulux, Hashshashin ou Calalini Rises. Autant de titres sur lesquels on s’égare volontiers, aux sons d’un synthé analogique qui dévale entre des lignes de basse têtues et parfois, au loin, mais pas toujours, un chant processoral, monotone, paresseux. Pour ajouter un peu de piment, on retrouvera ici et là une guitare qui penche carrément du côté du Velvet Underground.

Les Lumerians, ce serait la bonne surprise de ce début d’année, si la vidéo de Black Tusk (de loin le meilleur morceau de l’album) n’avait pas déjà préparé le terrain. On y retrouve quelques pépites à danser (au ralenti, toujours), mais aussi des titres plus bruyants, plus nerveux, voire carrément bordéliques (Longwave), le tout, saupoudré de cette saveur de vieux film de flingues dans lequel le méchant porte des gants en cuir noir (Hashshashin et sa guitare funk qui rappelle les compilations de musiques de polars italiens des années 70 comme Beretta 70).

(parenthèse n°1 : Goblin - Via della droga sur la compile Beretta 70) :

Comme j’aime bien ramener ma fraise et montrer que je connais des groupes que personne n’écoute, je n’hésiterai pas à citer en référence Super Numeri ou Silver Apples (en particulier sur le titre Melting Space).

(parenthèse n°2 : Silver Apples - Lovefingers - 1968)

Je conclurai par un appel du pied discret à mes amis programmateurs : les gars, il faudrait peut-être penser à inviter les Lumerians cet été. Je veux absolument voir ces mecs sur scène.

A regarder Une petite dernière pour la route : Hashshashin (live et filmée avec les pieds)

Les liens

Sur Knitting Factory Records
Sur MySpace

(Petit détail, mais est-ce bien la peine de préciser ? L'album est commandable en vinyle édition limitée, avec code immédiat pour télécharger la version électronique.)

L'Enfance Rouge - Bar-Bari

2011-03-02T13:50:00.000-08:00

Il est très rare que je parle d’artistes qui chantent en français. Ce n’est pas du racisme, ce n’est pas non plus pour rappeler le caractère profondément flamand du rock, c’est juste que des groupes qui chantent en français, je n’en écoute pas beaucoup. Je me souviens, encore gamin, avoir lu une interview (de Noir Désir?) dans le TéléMoustique de mes parents, interview dans laquelle l’artiste (Bertrand Cantat?) rappelait à quel point chanter en français pouvait s’avérer pénible, à cause de toutes ces consonnes. Il n’avait pas tort.

Je ne suis pas linguiste, mais il me semble que cette avalanche de consonnes constitue précisément le coeur-même de la richesse de la langue française. Il suffit d’écouter un Américain – par exemple – risquer de perdre son dentier en voulant prononcer correctement le nom de Gérard Depardieu pour mesurer toute la difficulté à parler notre parlage. Et si c’est difficile, alors c’est beau. Règle mathématique qui vaut pour toutes les langues, sauf l’Allemand évidemment. Vous ne me surprendrez jamais à louer le verbe de l’occupant.

Si j’aime L’Enfance Rouge, c’est justement parce que c’est un des seuls groupes qui capitalisent à ce point sur la surpondération des consonnes dans la langue française. Ou tout le moins qui ne la nient pas en essayant d’imiter vaguement l’anglais en marmonant peu ou prou chaque mot du Robert qui, s’il est mâchouillé, libère une délicate saveur de rosbif. A vrai dire, c’est peut-être le seul groupe qui chante en vrai français. Le Français, jeune homme, ça se crache, ça se déglutit et ça coince les portes.

C’est ce que François Cambuzat, guitariste chanteur de ce trio franco-italien, a bien compris. La preuve avec le merveilleux Palais Bourbon, sorti en 2005 sur l’album Krsko-Valencia.

Avec Bar-Bari, cuvée 2011 de L’Enfance Rouge, cette bande de renégats (ils en sont à leur 7^e ou 8^e album, on ne sait plus très bien, tous sortis en édition ultra-limitée) enfonce une nouvelle fois le clou. Bien pointu, bien profond, bien rouillé. Les premiers mots de Cambuzat annoncent la couleur sur Perquisitions.

Emasculons la bête

En urgence circonstanciée

L’acier est d’une secrète

Beauté

Pour la dentelle, les frou-frou et l’intro en douceur, on repassera. C’est une entrée en matière version bélier qui cède la parole à la bassiste Chiara Locardi pour la deuxième salve de l’album: l’introverti Grande – Survie. Réplique italienne de Kim Gordon, elle y déclame, raide et figée, une complainte à la voix tellement écaillée qu’elle convaincrait Jeanne Moreau de doubler Alvin et les Chipmunks.

La suite reprend le chemin d’un rock sanguinaire et militant. Avec en invité surprise, un certain Bertrand Cantat venu psalmodier les vers de Tostaky sur Vengadores. Contraste éloquent, entre d’une part, celui qui fut adulé avant de chuter et, de l’autre, une formation dont le succès reste confiné à quelques cercles d’intellos punk privilégiés. Cantat semble y retrouver la spontanéité perdue sur des plateaux TV ou les scènes des grands festivals. On n’y croyait plus. On le sent presque ému.

Le reste de l’album poursuit sur les voies impénétrables d’un rock crasseux, d’une poésie noire et d’arrangements teintés d’influences orientales. Une bonne moitié de ces titres se trouvait déjà sur l’album précédent, mais sont livrés ici dans un emballage épuré, une sorte de retour à la nature profondément électrique de L’Enfance Rouge.

Du vrai bonheur pour les oreilles.

Je l’écoute en boucle, encore et encore.

Les liens :

Le site officiel
Commander sur Wallace Records
Commander chez Mandai Distribution

PJ Harvey - Let England Shake

2011-03-01T10:12:00.000-08:00

Chère Polly Jean,

Je sais que je ne t’ai pas toujours été fidèle. Je sais que j’ai parfois écrit des choses un peu délicates à ton sujet. Je sais que la phrase “PJ déclenche des réactions hormonales tellement violentes dans mes sous-vêtements que je pourrais remplacer un pneu crevé d’une petite camionnette sans devoir utiliser le cric” n’était pas des plus subtiles. Elle a fait couler beaucoup d’encre, de larmes et de sang. Mais c’était la stricte vérité.

Soyons francs, ma jolie: ton White Chalk ne m’a jamais vraiment plu. Cette craie blanche, directement adressée à la cause de mes sinusites chroniques, m’a fait l’effet d’un couteau dans le dos. Tu t’y perdais dans d’insensées parades nuptiales, prétextes désespérés pour attiser ma jalousie. Moi, frêle esquif à la dérive, j’en regardais d’autres. Toi toujours accrochée à une passion qui n’était plus, mais incapable de l’assumer. Tu as logiquement détourné le regard. Tu en as vu d’autres. Tu n’as pas remarqué que mon coeur ne battait toujours que pour toi, malgré les prescriptions de Flixonase qui s’accumulaient sur ma table de nuit.

La différence d’âge (à peine dix petites années) n’a jamais pesé dans la balance. Tu t’époumonnais sur scène et en studio. Moi, je noyais mes instabilités psychiques et affectives dans le jeu, la drogue, la mandarine Napoléon et des Sud-Américaines de petite vertu.

La vertu, parlons-en justement. Polly, la blancheur de ta peau n’a d’égal que la noirceur de mon âme. Le rouge de tes lèvres me rappelle sans cesse cette hémoglobine épaisse qui coulait le long de ton menton le jour où tu plantas tes crocs dans mon ventricule gauche.

Polly, je t’en prie, ravise-toi. J’étais un idiot. J’ai changé. Ton Let England Shake m’a changé. Il m’a ouvert les yeux que je n’ai que pour toi. Comme un quadruple pontage coronarien. Tu y as retrouvé toute ta splendeur d’antan. Mais l’avais-tu jamais perdue?

Polly, reviens. Oublie Nick, ce rival mal éconduit. Il ne sait plus quoi inventer pour te récupérer. L’épisode de la pornstache n’en est que plus lamentable.

Je t’en prie, Polly, pardonne-moi. J’ai arrêté de fumer, je me raserai la barbe, j’apprendrai à jouer de la harpe miniature pour te chanter des berceuses, je changerai mes draps plus souvent et j’enlèverai les posters de Batman sur mes murs.

Tu sais, depuis tout ce temps, je n’ai jamais effacé les traces de ton passage dans ma morne vie. Ton parfum, ta voix, ton aura hantent toujours mon humble appartement. Et j’ai encore tes serviettes hygiéniques sur l’étagère des waters.

Allez, fais pas ta salope. Appelle-moi, bordel.

Kiss

PS : mon pote Slim dit que tu as une grande bouche et un long nez, mais je m’en fous. Il est jaloux, il préfère la chanteuse des Cramberries.

A regarder : The Words that Maketh Murder

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Les liens :
Le site officiel
Sur MySpace
Le concert de PJ Harvey à la Maroquinerie

Radiohead - The King of Limbs (sortie le 19 février)

2011-02-14T03:46:00.000-08:00

Drôle de cadeau de St-Valentin : Radiohead prend de nouveau tout le monde à contrepied en annonçant la sortie imminente de son nouvel album : The King of Limbs.

Comme pour In Rainbows, sorti en 2007, l'album sera d'abord téléchargeable sur le site officiel, à partir du 19 février prochain. Cette fois, le prix n'est pas laissé à la libre appréciation du consommateur : ce sera 7 euros pour les mp3 et 11 euros pour les wav. (ou gratos pour celui qui pourra patienter quelques minutes et passer par les circuits "parallèles").

Pour la version "physique" de l'album, il faudra encore patienter jusqu'au 9 mai (mais le tout est déjà pré-commandable) et sera disponible dans un coffret qui s'annonce assez luxueux : deux vinyles 10 pouces, le cd, des tirages spéciaux d'un artwork exclusif, un sac biodégradable pour emballer le tout et, évidemment, le code pour télécharger l'album le 19 février. Il faudra par contre se montrer un peu plus généreux : l'addition s'élève à 36 ou 39 euros en fonction de la version choisie. Mais on peut déjà présumer que le colis sera à la hauteur.

Encore une fois, Radiohead prouve qu'il est LE super groupe du moment, celui qui gère son image comme personne, celui qui a tout compris aux nouvelles technologies, celui qui peut créer le buzz rien qu'en claquant des doigts.

On en reparle dans une semaine, bien évidemment.

Les liens :

http://www.thekingoflimbs.com
http://www.radiohead.com/deadairspace/

La suite juste après la pub

2011-02-14T02:49:00.000-08:00

Pratiquement un mois de silence absolu. Ce n'est pas que tu m'emmerdes, mais en ce début d'année, j'avais juste besoin de reposer le pour et le contre. Depuis quelques temps déjà, au moins une bonne année, je me demande à intervalles réguliers si ce blog a encore un sens. S'il n'est pas condamné à s'éteindre de sa belle mort après 4 années de loyaux services.

Dès que je découvre un groupe intéressant, le temps que la chronique prenne forme dans mon esprit étroit, je me rends compte que, systématiquement, l'excellent Noise Mag m'a devancé et propose un texte mieux torché, mieux documenté, mieux illustré.

Lorsque je reviens sur ma désormais célèbre compile 2010, je constate que sur les 17 titres choisis de manière très personnelle, 5 sont issus d'albums repris dans le top 50 du magazine (Boris, Maserati, Scorn, Cathedral et Aucan). Bonjour les découvertes.

[Et toujours cette immense frustration que je ne suis pas le seul à partager : malgré des lecteurs de plus en plus fidèles et d'excellentes statistiques, les commentaires se font de plus en plus rares sur les blogs et en particulier sur le mien. C'est comme si on balançait à chaque post une bouteille à la mer. Alors à quoi bon? Je ne vais quand même pas commencer à tenir des propos antisémites dans l'espoir d'obtenir enfin une réaction.]

D'où cette question : ce blog vaut-il encore le temps que je devrais y consacrer pour qu'il conserve un minimum d'intérêt ? Nous verrons bien. Dans les semaines à venir, je reviendrai avec des nouvelles chroniques (malgré tout le dépit que m'inspire la lecture du dernier Noise Mag et cette impression d'arriver de nouveau en second sur la balle). Les textes seront certainement un peu plus personnels, moins neutres (l'ont-ils jamais été ?), moins ambitieux, plus intimistes. On y retrouvera (peut-être) des tranches de vie, racontées à travers l'écoute d'un album, récent ou pas, l'expérience d'un concert, ou juste une réflexion, un songe, un délire, une indigestion.

Quant aux interminables digressions sur notre époque qui fout le camp, elles trouveront désormais un terrain d'expression sur le nouveau blog de Niaco, spin-off officieuse qui accueille sa plume aiguisée et, à l'occasion, me tolère comme invité honoris causa. Tout cela se passe ici : Le monde est moche, mais moins que ma voisine. Ce n'est qu'un début, mais j'ai l'impression que ça a de la gueule.

Enfin, pour les inconditionnels des réseaux sociaux, il y a toujours les humeurs du jour en vidéo et parfois quelques liens intéressants (dates de concert, sorties annoncées, catalogues bradés, etc.) à découvrir un primeur la page Facebook du blog.

Rendez-vous d'ici quelques jours pour une opération de réanimation de blog, version soins intensifs.

Tous tes commentaires, suggestions, réactions, insultes, lettres d'amour, demandes en (re)mariage, attestations de paternité, plaintes devant la Cour européenne des Droits de l'Homme, sont et restent les bienvenus.

Et pour patienter, une petite vidéo marrante.

A regarder : Playmobil Stop Motion - Joy Division : Transmission

Wire - Red Barked Tree

2011-01-17T10:30:00.000-08:00

Il y a quelques années, au détour d’une conversation avec un nouvel ami musicien, je découvrais pour la première fois Wire, un peu curieux, un peu vexé, un peu incrédule à l’idée d’être passé si longtemps à côté d’un groupe présenté comme fondamental dans l’histoire de la musique. « Wire, c’est tout le son des années 80, mais en 1979 ! » Mon ami a alors sorti un vieux vinyle : l’album 154, qui date de 1979 justement. L’année de ma naissance. Il est allé directement à l’essentiel, à savoir le titre A Touching Display et m’a demandé d’attendre patiemment le déchirement, le tonnerre, la révolution. Un autre ami est entré dans la pièce. « Cool, Wire ! » qu’il s’est écrié. Et j’étais encore plus vexé. Il s’est assis avec nous, a allumé un cigarette, s’est servi une bière et s’est joint à la discussion. Puis nous nous sommes tous tus. Et l’orage a tonné d’un seul coup. Je m’en souviens comme si c’était hier. Mon interlocuteur me fixait du regard, guettant ma réaction. Moi, je restais figé sur place, hérissé, retourné comme un crêpe par ce qui transitait dans mes oreilles. Cette basse qui sort du bois, s’étrangle, se tord, jouit, hurle, vomit ou que sais-je encore, c’est le son qui nous rend tous jaloux. C’est le morceau qu’on aurait tous voulu exécuter. Sur l’album, le crime a lieu à 3’26’’. (3'29'' sur la vidéo qui est mal calibrée)

Depuis lors, je suis devenu un fan absolu des trois premiers albums de Wire : Pink Flag (1977), Chairs Missing (1978) et, le meilleur, 154 (1979). Punk sophistiqué, un peu arrogant, qui dévie facilement vers des sons plus pop, voire synthétiques. Quant à 154, c’est le disque que je suis capable d’écouter trois fois par jour pendant tout un mois et continuer à en découvrir de nouvelles facettes. On y retrouve à peu près tout ce que la musique pop britannique a produit pendant les 20 années qui ont suivi, de Blur à Underworld, de Massive Attack à Pulp, de New Order à Supergrass, des Streets à Bloc Party ou Franz Ferdinand. Ce n’est d’ailleurs pas un hasard si Elastica s’est retrouvé avec un procès au cul pour avoir honteusement plagié une chanson de Pink Flag sur son tube Connection.

Voilà une longue introduction pour remettre dans son contexte la fascination absolue (mais tardive) que je voue aux trois premiers disques de Wire. Le groupe s’est séparé une première fois dans la foulée de 154. Après cinq années de silence, il est réapparu à plusieurs reprises, dans des formations différentes. Et j’avoue que je n’ai jamais prêté la moindre attention à ce qu’ils auraient pu sortir après 1980, apparemment, une bonne demi-douzaine d’albums tout de même qui ont accouché d’horreurs telles que celle-ci :

L’an dernier, voilà que Wire est programmé à l’Aéronef de Lille. Je m’empresse de rameuter les troupes, nous constituons rapidement un petit groupe de fans qui, comme moi, se sont arrêtés après 154. Un ami qui entend parler de nos plans nous décoche une première droite dans l’estomac :

- Je suis allé les voir l’année dernière.

- Et ???

- Je me suis barré après 20 minutes.

- Pas de bol. Qu’est-ce qui s’est passé ? On t’a appelé pour te dire que ta mère était morte ?

- Non, c’était nul. Tous en costards et petites lunettes. On aurait dit des profs en train d’animer le bal de fin d’année d’une fac de psycho.

Pffff. Jaloux. Il devait certainement essayer de nous jouer un vilain tour parce qu’il ne supportait pas l’idée qu’on y aille sans lui. Alors on est quand même allé vérifier sur le net. Juste pour se mettre encore plus en appétit. Et là, ça a été le choc.

Pour nous, Wire, c’était ça :

Et on est tombé sur ça :

Inutile de préciser que nos plans qui consistaient à traverser la frontière pour aller assister à une telle déculottée ont fini au bac à ordures. Comment une telle mutation est-elle possible ? Besoin de fric ? Alzheimer ? Crise d’adolescence à 50 balais ? En tout cas, ce jour-là, Wire s’est définitivement séparé en 1980. Tout ce qui a suivi, pour mes amis et moi, ce n’était plus Wire.

Il y a quelques semaines, le Botanique annonçait Wire en février pour 16 euros. Et j’ai de nouveau failli craquer. Et si c’était le réveil ultime, la révélation, le VRAI retour de Wire ? Et s’ils avaient enfin retrouvé toute la révolte qu’ils hurlaient 30 ans plus tôt ?

Pour en avoir le cœur net, il suffisait d’écouter le dernier album en date : Red Barked Tree, sorti la semaine dernière. Première écoute, j’arrête le supplice après 5 chansons et je remets vite Chairs Missing. Deuxième écoute, j’en profite pour aller prendre une douche. A la troisième, je commence enfin à accepter l’idée que Wire, ce n’est plus tout à fait la même chose, même si le style reste assez affirmé.

Ce qui est le plus dérangeant avec Wire, c’est que le maître en est arrivé à copier les élèves. Red Barked Tree n’est certainement pas de ces disques qu’on balance immédiatement aux orties. Mais contrairement au tryptique pré-1980, il sonne comme un album terriblement convenu, déjà maintes fois entendu. Ici du Blur, là du Pulp. Et tout au long, cette idée qui prend forme : on dirait une compilation de titres inédits de TV On The Radio, ceux qui n’étaient pas assez bons pour figurer sur un album.

Entendons-nous bien : Red Barked Tree n’est pas mauvais en soi. L’album est même plutôt de bonne tenue, mais totalement indigne des trois premiers albums. Indigne de Wire. Où sont les coups de pieds au cul ? Dans 30 ans, personne ne s’émouvra sur la moindre note de cet album. Personne ne ressentira ce qui m’a transpercé ce jour-là, dans cette cave mal éclairée, après 3 minutes et 26 secondes d’A Touching Display.

A écouter : Please Take (sur l'album Red Barked Tree - 2011)

A regarder : A Touching Display (live - 1979)

A écouter : I'm the Fly (sur Chairs Missing - 1978)

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Esthers, la dernière vidéo d'Amon Tobin "made in Belgium" (dir. Charles De Meyer)

2011-01-05T12:47:00.000-08:00

Le titre Esthers est tiré de l'album Foley Room qui date déjà de 2007. Ce qui n'a pas empêché le célèbre Brésilien d'en confier récemment la réalisation du clip vidéo au réalisateur belge Charles De Meyer, qui s'était déjà chargé entre autres d'un clip de Jaga Jazzist.
Tournage entre Anvers et Bruxelles, brouette d'effets spéciaux et au final un film qui colle parfaitement à l'image. Cocorico... en attendant le nouvel album d'Amon Tobin.

A regarder : Esthers

A regarder : Esthers, le making of

A regarder : Oslo Skyline (Jaga Jazzist)

Les liens

Charles De Meyer
Amon Tobin
Jaga Jazzist

Goodbye 2010 and see you in Hell

2010-12-26T11:04:00.000-08:00

Voilà, nous y sommes. La décennie touche (enfin) à son terme. Comme chaque année, je te gratifie d’une petite compile en guise de remerciement pour ton indulgence à lire des chroniques souvent bancales, pas toujours inspirées faute de temps (mais je m’accroche, je m’accroche) et parfois même dignes d’un séjour en centre thérapeutique (la série Bowinage est presque terminée, la fin du calvaire approche).

Petite précision suite à un malentendu avec quelques fidèles lecteurs l’an dernier : ma compile n’est PAS un best of de l’année écoulée. Des tas d’autres sites et blogs font ça beaucoup mieux que moi. Pas la peine dès lors de me dire que j’ai oublié tel ou tel groupe à la mode. Ce que je te propose, c’est simplement un condensé purement subjectif de ce que j’ai le plus écouté en 2010. Pour cette édition, j’ai pris un soin tout particulier à éliminer les trois quarts de ce qui encombre mon disque dur, à savoir du doom pachydermique impénétrable et du vilain black metal absolument abominable. J’ai donc fait l’effort de condenser ce qui me paraissait le plus écoutable, sous la forme de 17 coups de cœur, en prenant soin de dépasser les 80 minutes, juste pour te faire chier quand même un peu si tu veux graver ça sur un CD. Il y en a à peu près pour tous les goûts cette année : pop, rock, electro, soul et quand même une petite touche de métal.

Et comme d’hab, je me suis échiné à te fournir un bel emballage : artwork 100% maison (je reconnais avoir recouru aux banques d’images les années précédentes) qui m’a occupé de longues soirées.

Trèves de blabla, passons à l’action. Et je le répète : si un seul titre de cette compile retient ton attention, alors j’estime avoir bien fait mon boulot.

Commençons par l'artwork...

... et maintenant, la playlist explicative :

1. Lilium – Her Man Has Run (France, USA)

Le choix des titres terminé, il fallait en déterminer l’ordre. L’exercice a été un vrai casse-tête. J’ai finalement opté pour ce titre de Lilium, afin d’assurer un décollage en douceur. La rondeur de cette composition de Pascal Humbert, bassiste de 16Horsepower et Woven Hand, n’est peut-être pas la mise en bouche à laquelle tu t’attendais. Et pourtant, avoue que cette chanson est magnifique.

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2. Boris & Ian Astbury – Teeth and Claws (Japon, UK)

C’est ici que nous entrons dans le vif du sujet, avec un exemple de la chanson pop-rock parfaite. Riff brûlant, voix qui en a vu d’autres et refrain qui colle au cul. Les Japonais de Boris ont trouvé chez le chanteur de The Cult la signature vocale qui leur avait souvent manqué.

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3. Lumerians – Burning Mirrors (USA)

Sans doute LA claque de l’année. On savait que les groupes de revival psyché rock puisaient allègrement dans le répertoire des seventies. Les Lumerians remontent le temps encore un peu plus loin et vont carrément se ressourcer aux sons de la pop sixties avec, je trouve, une petite touche yéyé du meilleur effet.

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4. Indian Jewelry – Excessive Moonlight (USA)

Pop sexy et electro éthérée au menu de ce titre hautement hypnotique des Texans d’Indian Jewelry qui ne lésinent pas sur les quantités quand il s’agit d’injecter à leur musique une lourde dose de psychotropes.

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5. Chrome Hoof – Vapourise (UK)

Le dernier album de Chrome Hoof est un tsunami de rock-metal-disco-funk absolument indescriptible. Le comble, c’est que la meilleure plage reste à mon goût cette petite pépite électro qui alarme des armées de fourmis le long de mes jambes poilues, un titre qui tranche franchement avec le reste du disque. Pour la petite histoire, une version « vocale » est sortie en single.

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6. Maserati – We got the system to fight the system (USA)

Encore un titre instrumental sur cette compile. Cette fois, on navigue dans les eaux déchaînées d’un post-rock survitaminé. Remuant et dansant à la fois.

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7. Sungrazer – Zero Zero (NL)

Le premier EP de ces trois Hollandais sera certainement passé complètement inaperçu cette année. C’est pourtant un sacré concentré de stoner rock qui a le mérite de ne pas basculer dans le bourrin.

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8. Tunng – Don’t look down or back (UK)

La bande d’hippies chevelus et poilus accouche sur son quatrième album de cet hymne naïf comme tout, sorte de transcription gospell de la méthode Coué.

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9. Sharon Jones & The Dap Kings – Mamma don’t like my man (USA)

Nouvelle diva de la soul depuis une dizaine d’années, Sharon Jones pond ici une splendide complainte dans la plus grande tradition du blues féminin d’outre-Atlantique. La chanson la plus roots de l’année.

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10. Jamie Lidell – The Ring (UK)

Malgré un nouvel album plus que discutable, Jamie Lidell parvient à placer sur ma compile ce single au beat totalement tordu. C’est justement lorsqu’il évite les grands standards de la pop FM que Lidell offre à sa voix l’écrin insolite qu’elle mérite.

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11. Aucan – Rooko (ITA)

Extrait de l’EP DNA, ce titre montre à quel point les Italiens d’Aucan se sont affranchis de l’étiquette des Battles transalpins. Après les arpèges de guitare, le break electro est tombé comme une stalactite sur mes oreilles encore toutes meurtries.

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12. Keiki – Lottie Johl (BE)

Cocorico ! Le duo bruxellois de « satanic pop » embrase mes sens avec cette méchante rengaine imparable. Toute ressemblance avec PJ Harvey ne serait que purement fortuite.

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13. Cathedral – Ghost Galleon (UK)

J’ai longtemps hésité à mettre ce titre sur la compile. Un peu lourd, un peu rêche, un peu brut de décoffrage et puis cette violente descente du coude où les guitares vomissent leur apathie. Et puis merde ! J’ai craqué.

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14. The Progerians – The Value of my Star Wars Figures (BE)

Deuxième cocorico! Je n’ai même pas chroniqué les Progerians cette année, parce que ce disque n’a pas été commercialise à ma connaissance. C’est le bassiste qui me l’a filé à la sortie d’un concert, je l’ai immédiatement mis dans l’autoradio et ce déluge punk à mettre quelque part entre les Stooges, les Ramones et At The Drive-In m’a aussitôt cloué au siège du bolide allemand. A suivre.

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15. Scorn – Taking Someones Eyes Out (UK)

Je suis le premier à l’admettre : ce titre de Scorn est sans conteste le plus hermétique de la compile. Il se fait que je me suis pris au jeu et que j’y ai complètement accroché. Alors c’était difficile de ne pas l’évoquer au moment de dresser le bilan.

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16. The High Confessions – Dead Tenements (USA-UK)

On arrive presque au bout de l’exercice, mais on n’y est pas encore vraiment. Il faudra d’abord avaler les 11 minutes étouffantes de cet exercice de style, entre punk ralenti et spoken word.

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17. Russian Circles – Malko (USA)

Je n’ai pas vérifié, mais je pense que cet album est sorti en 2009. Tant pis, il a quand même rythmé mon année. Et en guise de petit coup de pied au cul pour sortir de la torpeur des Hautes Confessions, je trouvais que ce titre méritait son poids en cacahuètes. A l’année prochaine…

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Bowinage - épisode 4 sur 5 : Always Crashing in The Same Car (1977)

2010-12-18T05:49:00.000-08:00

Eté 1976: l’Europe est assommée par une vague de chaleur sans précédent. C’est également l’été qui voit mes parents s’unir pour la vie. Cérémonie modeste, certes, mais ma maman tenait absolument à y inviter David Bowie, « ce petit charmeur aux grandes dents » qui l’avait tant intriguée. C’est l’époque où la rock star commence à s’aventurer à Berlin, bras dessus, bras dessous avec Iggy Pop et Lou Reed. Contre toute attente, c’est avec une autre étoile montante de la musique populaire qu’il se rend aux épousailles. Bien connu des kermesses et autres fêtes au boudin de la région, c’est Claude Barzotti qui l’accompagne. Bowie avait besoin d’un lift et c’est Eddie Barclay qui lui avait présenté ce jeune fils d’immigré italien « dont le talent n’a d’égal que l’éclat de ses boucles couleur corbeau ».

Musicalement, les deux chanteurs n’ont que très peu d’atomes crochus. Ils trouvent toutefois un terrain d’entente dans le Cabernet Sauvignon bulgare qui arrose le repas et les Mon Chéri tombés à point au moment du pousse-café. Pour une fois, la chanson Always Crashing In The Same Car, sortie en 1977 sur l’album Low, ne fait pas directement référence à l’un ou l’autre membre de ma famille. Pas directement, mais un peu quand même, puisque ce titre relate comment, après avoir redéposé Bowie à la gare de Jemappes après la soirée, Barzotti, complètement bourré, alla encastrer son Opel Manta flambant neuve dans l’un des feux des Quatre Pavés de Quaregnon. C’est de cet accident que Claude conserva les graves séquelles cérébrales qui le mèneront en 1981 à commettre l’album Madame.

La première pochette du 45 tours "Le Rital",

retirée du commerce après 2 semaines suite

au procès qui opposa Barzotti à EMI.

A regarder : Always Crashing in The Same Car (live)

Maserati : Pyramid of the Sun

2010-12-14T04:26:00.000-08:00

Après Chrome Hoof, Cave, Aucan ou Higamos Hogamos, Maserati constitue une nouvelle surprise venue tout droit d’une autre galaxie. Enchaînant les plages instrumentales comme d’autres leurs pneus d’hiver, ce combo qui gravite autour d’un membre* de !!! rafle la mise avec une recette bourrée d’anti-oxydants: nappes synthétiques, rivières de guitares, beats mécaniques contribuent à épaissir une mayonnaise qui, ô surprise, ne tache pas. Les références à Pink Floyd sont à peine voilées (ne serait-ce que le titre de l’album) et la pochette ne laisse plâner aucun doute sur la nature intrinsèquement psychédélique d’un menu 8 services décliné en autant d’exemples que le rock peut aussi être une musique dansante.

A l’écoute de ce nouvel album de Maserati, je me plais à redécouvrir un cocktail profondément hybride, qui puise ses racines dans des terres rock, electro et funk. Un album ambitieux qui, dans son esprit plus que dans sa forme finale, me rappelle par moments les émotions ressenties à l’écoute des premiers disques de "rinôcérôse", il y a plus de 10 ans déjà.

En cette période de froid sibérien, quand la tentation est immense de s’enfermer, à la lueur d’une bougie d’Amnesty International, dans une suicidaire écoute répétitive de l’intégrale de Nick Drake, Pyramid of The Sun pourrait bien ramener un peu de chaleur naturelle dans nos foyers. Et retarder ainsi un peu plus le jour où Gazprom dominera officiellement le monde. Conclusion hâtive (mais peut-être pas) : et si l’écoute de l’album de Maserati était tout simplement un geste civique ?

* De l’intérêt d’une petite vérification sur Google avant de publier: Jerry Fuchs, batteur de !!! et Maserati est décédé l’an dernier dans un sordide accident d’ascenseur. Il n’en demeure qu’il avait déjà enregistré toutes ses parties de batterie avant l’enregistrement de ce disque.

A regarder : Pyramid of the Sun (live)

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Bowinage - épisode 3 sur 5 : Station To Station (1976)

2010-12-03T14:18:00.000-08:00

Bowinage : une reconstitution historique inédite d'un pan totalement oublié de la biographie de David Bowie. Un travail documentaire rigoureux pour rétablir la vérité sur l'influence des terrils du Borinage sur l'oeuvre du Thin White Duke.

En 1975, ma mère n’a toujours pas la moindre idée de qui était ce bellâtre qui l’avait abordée sur la berge quelques années plus tôt. Pire, elle s’en souvient à peine. Dans le Borinage, le choc pétrolier se fait ressentir plus qu’ailleurs. Et dans sa petite bicoque de fille de mineur, cette splendide demoiselle de 20 printemps n’a toujours pas les moyens de s’offrir le tourne-disque qui lui ouvrirait les portes de la musique pop anglaise. Pour occuper ses soirées, elle traîne donc dans les cabarets fréquentés par des mineurs ivres morts qui dépensent leur paie pour oublier la couleur du trou.

Bowie en gare de Flénu

De l’autre côté de la Manche, Bowie poursuit son bonhomme de chemin. Les années de galère sont maintenant derrière lui et il peut commencer à tapisser ses murs de disques d’or, même si le succès commercial n’est pas toujours à la hauteur des critiques élogieuses qu’il suscite. En tournée continentale pour défendre l’album Young Americans, il décide de faire un crochet rapide par le Borinage et croit dur comme fer qu’il pourra cette fois revoir sa bien-aimée. Cette nouvelle tentative s’avère fructueuse puisque, sur le quai de la gare de Flénu, il tombe nez à nez avec la petite rouquine, visiblement seule. Après quelques minutes d’une conversation bancale, la mémoire de ma future maman se rafraîchit et les deux tourtereaux commencent à se raconter leurs vies respectives. Bowie peut difficilement cacher sa frustration : comment est-il possible que cette jeune et belle femme n’ait jamais entendu parler de lui ? La discussion se rompt subitement lorsqu’entre en gare le train omnibus en provenance de Bruxelles. Du deuxième wagon descend un jeune homme en uniforme, mince, pâle au regard droit et portant une petite mallette. Bowie voit son interlocutrice se jeter littéralement dans les bras de ce militaire en permission, qui deviendra plus tard mon père.

Vexé, l’artiste tourne les talons mais ma mère l’attrape par l’épaule et lui propose de se joindre à eux pour la soirée. L’un de ses cabarets préférés a été récemment ravagé par un terrible incendie et mon futur papa participe ce soir-là à un concours de fléchettes, dont les bénéfices serviront à reconstruire le bistrot. Flatté, Bowie passera ainsi la soirée incognito dans la fumée et les effluves de bière d’un cabaret borain, au milieu des joueurs de manille et des crosseurs en plaine. Mais la joie et la bonne humeur de l’instant ne sont rien en comparaison de la douleur qui le mange de l’intérieur. Le lendemain aux aurores, il prend le train pour Paris et rejoint ses musiciens pour la suite de la tournée. Pendant son voyage, il écrit les premières lignes de l’album Station To Station: « The return of the Thin White Duke / Throwing darts in lovers’ eyes ».

A regarder : Station To Station (live)

("It's not the side-effect of the cocaine"? Bof...)

Petite détente post-Halloween avec Candlemass

2010-11-20T13:16:00.000-08:00

Le principe, c'est de tenir jusqu'à 5'50. Ensuite, c'est l'extase...

Scorn - Refuse: Start Fires

2010-11-20T05:11:00.000-08:00

Si mes calculs sont bons, Refuse: Start Fires serait déjà le 14^e album de Scorn, pour à peu près autant d’EP. Production à la chaîne pour ce projet fondé en 1991 par deux membres déçus du tournant pris à l’époque par Napalm Death. Oscillant entre duo et trio sur ses premiers albums, Scorn est vite devenu le projet d’un seul homme, Mick Harris. Réputé comme l’un des batteurs les plus brutaux du monde, Mick Harris est également reconnu comme le “père du blast beat”, ce style de batterie hyperkinétique qui fait des ravages dans le milieu du heavy metal.

D’abord d’obédience metal indus, Scorn a rapidement viré à l’electro dark, au dub lugubre et profond, mélangeant machines et ambiances métalliques. Confirmation avec la livraison 2010 d’une musique radicalement abstraite et imperméable à toute forme de sensibilité. Refuse: Start Fires consacre une dubstep qui n’a rien à faire sur un dancefloor et qui, au mieux, pourrait éventuellement revendiquer une place sur la bande son d’un obscur jeu vidéo de science fiction. A retenir, le titre Take Someones Eyes Out, sorte de transcription sonore d’une asphyxie dans un sous-marin russe.

Prenons également le temps de nous attarder sur la splendide pochette de cet album, oeuvre de l’artiste néerlandais Karol Lasia, alias Khomatech. Mêlant photographie, infographie et peinture, son travail lui a déjà permis de réaliser nombre de pochettes pour des groupes drum’n’bass, une affiche pour Radiohead et également une série de photos pour Playboy. A découvrir de toute urgence ! Et ce mec n’a que 24 ans…

A écouter : Take Someones Eyes Out

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Khomatech

Bowinage / épisode 2 sur 5 : Rock'n'Roll Suicide (1972)

2010-11-03T15:24:00.000-07:00

Bowinage : une reconstitution historique inédite d'un pan totalement oublié de la biographie de David Bowie. Un travail documentaire rigoureux pour rétablir la vérité sur l'influence des terrils du Borinage sur l'oeuvre du Thin White Duke.

***

Résumé de l'épisode précédent : Bowie, en plein questionnement, erre dans le Borinage en quête de l'inspiration et y rencontre une jeune adolescente rousse qui deviendra plus tard ma maman.

***

1971 : Peu à l’aise dans son rôle d’amant éconduit, Bowie se console en se jetant dans les bras d’Angela Barnett, une actrice de seconde zone, dont la ressemblance avec ma mère est frappante. De cette union avec Angie, naîtra un an plus tard Duncan Jones qui deviendra par la suite le réalisateur que l’on sait.

Néanmoins, Bowie peine à se remettre de ce revers sentimental et reste obnubilé par le portrait de cette adolescente qui était parvenue à l’émouvoir par sa fraîcheur. Dépression, alcool, drogue. Bowie craque et part sans laisser de trace. En réalité, il prend le ferry sur un coup de tête, traverse la Manche et sillonne trois jours et trois nuits durant les rues du Borinage à bord de son bolide… à la recherche de celle qui lui a brisé le cœur. Un soir, au coin d’une rue, il croit apercevoir la belle, perd le contrôle de sa voiture et frôle l’accident sur ce qui n’était qu’une énième hallucination.

Désespéré, aux abois, un genou à terre, Bowie rentre à Londres et couche sa douleur sur Rock’n’Roll Suicide, qui reste à ce jour la meilleure chanson rock que quiconque ait jamais écrite sur ma maman : Chev brakes are snarling / As you stumble accross the road / But the day breaks instead / So you hurry home. C’est à cette époque que l’auteur meurtri, au bord du gouffre, trouve alors un subterfuge pour échapper au mal qui le ronge. Il se réfugie derrière les traits de Ziggy Stardust et sa chevelure couleur de feu. Comme par hasard.

A regarder : Rock'n'Roll Suicide (live)

Boris & Ian Astbury - BXI

2010-11-02T03:33:00.000-07:00

Depuis bientôt 15 ans, le groupe punk-noizy japonais Boris propose une discographie boulimique, avec déjà une quinzaine d’albums au compteur. Au-delà de ses produits maison, le trio multiplie les collaborations, notamment avec Merzbow et Sunn O))). Cette année, ils ont croisé leurs guitares fumantes avec la voix 24 carats de Ian Astbury, chanteur de The Cult et accessoirement nouveau Jim Morrison proclamé au sein de The Doors of the 21st Century, la tentative de reformation des Doors autour de Ray Manzarek. Dans les bacs, ça donne un EP de 4 titres sur une bonne vingtaine de minutes.

Boris et Astbury, c’est un peu l’association du feu et du feu. D’un côté, des Nippons qui manient leurs instruments comme des lance-flammes et crament tout ce qui se bouge dans un rayon de cent lieues. De l’autre, des cordes vocales made in UK qui crépitent comme un feu ouvert un dimanche de janvier. La symbiose fonctionne à merveille sur la plage d’ouverture, un Teeth and Claws riche en couleurs et contrastes qui fait immédiatement songer aux Screaming Trees, autre groupe qui alliait à merveille guitares tranchantes et refrains pop désespérés.

Sur We Are Witches, Boris rajoute une couche de guitares et fait monter la température de quelques centaines de degrés. Et c’est le volcan Astbury qui se réveille, dans toute sa splendeur. Moins retenu, plus brut de décoffrage, ce titre ouvre également un appel d’air dans lequel s’engouffrent des solos de guitare en fusion. Attention, ça brûle.

Sur Rain, c’est la voix féminine de Boris (dont j’ai oublié le nom – Borissette ?) qui reprend le relai et mène à la baguette ce qui reste la chanson la plus anecdotique de ce disque. La fureur s’estompe, la symbiose se dillue (mais où est Astbury? Parti pisser?) et Boris semble ainsi réussir l’exploit de placer une chanson de trop sur un 4 titres. Un comble…

Heureusement, tout le monde reprend ses esprits et signe un final grandiose avec Magickal Child, hymne de fin d’un monde en pleine décadence, qui s’épanche plus qu’il ne rugit.

Ni collector pour les fans de la première heure, ni vraiment disque grand public, ce petit EP tient tout à fait sa place parmi les sorties les plus intéressantes du moment. Il fera également merveille en guise d’amuse-bouche en attendant le prochain album de Boris, qui ne devrait plus tarder puisqu’en moyenne, c’est un disque par an au pays du soleil levant.

A écouter : Teeth and Claws

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Sinner's Day "Festival"

2010-11-01T08:06:00.000-07:00

Vendredi, Al me passe un coup de fil: "ça te dit d'aller voir les Psychedelic Furs, j'ai deux places?"
Le temps de s'arranger sur les détails du trajet, le même Al me précise: " De toutes façons, ils jouent pas avant 21h, c'est un festival, y'a d'autres groupes qui jouent, je t'enverrai le lien".

Le lien, le voilà. Avec un line-up pareil, je ne m'attendais pas à passer une soirée ordinaire. J'ai pas été déçu.

Acte 1: Here come cow-boys

Après les quelques détours imposés par un GPS un peu jouette, nous arrivons à l'Ethias Arena.
D'emblée l'endroit dégage une drôle d'atmosphère. Le bâtiment est une espèce de Tours et Taxis moderne, dans lequel on a disposé tous les éléments-clés d'un festival rock: stand merchandising, stand tickets, bars, volontaires de la Croix-Rouge...On dirait le festival de Dour mis sous cloche. En plus propre. En mieux organisé. En moins rock'n'roll.

Du côté du public c'est moitié Halloween, avec les goths en impers type cape de vampire, futal en cuir et bottes kitsch; moitié Has-Been Park, avec les fans véritables de Marc Almond et Nina Hagen qui ont ressorti leurs vieilles fringues de concert pour l'occasion.

Sans perdre une seconde, Al et moi nous dirigeons vers le Club stage pour notre premier concert: The Fall

Acte 2: Like a Stranger

A voir le chanteur bourré comme Michel Daerden un soir de victoire du Standard, nous quittons The Fall avant la chute annoncée dans le titre, et nous rendons au Main Stage où nous sirotons une pinte devant un Marc Almond dont le lifting cache mal les mauvaises dents.

Soyons honnêtes: jusqu'ici, le côté kitsch un peu rigolo nous fait bien marrer, mais avec les Furs qui ne jouent que dans deux heures, si ça continue comme ça, on va finir par se faire chier.

Dans toutes les bonnes histoires, le héros tombe sur un allié inattendu. Nous croisons donc deux potes à Al, qui ont eu l'idée saugrenue d'arriver dès l'après-midi et s'empressent de nous délivrer quelques précieuses mises en garde.

Par exemple, il vaut mieux ne fumer qu'à l'endroit prévu à cet effet. Tu as envie de sourire? Tu as tort: sache qu'au Sinner's Day Festival, des flics en civil se baladent sur le site et flanquent une amende de 150 (cent-cinquante!) biftons au malheureux chopé en train de fumer en-dehors des clous. Petite consolation: la contredanse porte le logo du festival...

Les artistes ne sont pas épargnés: pour eux, pas d'alcool sur scène, rien que de la bonne eau minérale. J'en déduis que si le mec des Fall était à ce point plein mort, c'est qu'il a dû s'en déchirer la tête deux fois plus en prévision d'un set à l'eau plate...

Et ce n'est pas tout, Al et moi avions remarqué que des panneaux marqués "Club In" et "Club Out" marquaient les accès à la Club Stage. Nos deux comparses nous racontent avoir vu des types qui essayaient de sortir par une porte "Club In" se faire remballer et prier de sortir par la porte adéquate.Visiblement au Sinner's Day, la transgression c'est plutôt mal vu...

Acte 3: Alice's House

Le demi-tour n'étant pas une option, entrer et sortir d'un concert de ska, nous a pris 5 bonnes minutes...ce qui nous a permis d'arriver juste à temps pour voir Marc Almond reprendre Walk on the wild side à sa façon avant de conclure sur l'inévitable Tainted Love [Helmut Lotti Mix].

N'ayant rien d'autre à faire, nous trouvons une place assise pour siroter une pinte en attendant Nina Hagen.

Heureusement que j'avais fini mon verre quand le concert a commencé, je crois que j'aurais tout recraché sur le mec devant moi quand la Hagen est montée sur scène. Pareil pour mes comparses: on est restés tous les quatre la machoire béante pendant au moins 15 secondes.

J'étais prêt pour le maquillage, j'étais prêt pour la coiffure, j'étais prêt pour une performance kitsch un peu vulgos. Par contre, voir une quincagénaire sortie de Buffy contre les Vampires loucher et faire des grimaces en massacrant Personal Jesus, visiblement, j'étais pas prêt.

On est restés là un moment, à la regarder brailler et tirer la langue, en se demandant si c'était comique, ou simplement pitoyable. Vint le deuxième morceau. Au moment où Nina et ses yeux qui louchent ont entamé Riders On The Storm, le voisin de mon voisin s'est levé sans un mot et a quitté la salle.

Pour récupérer d'un choc pareil, on avait bien besoin d'une clope (dans la zone autorisée).

Acte 4: Imitation of Jesus

Le moment tant attendu. On a fumé dehors, on a été pisser avant, on est rentrés par la bonne porte. Tout est prêt.

Evidemment, les Psychedelic Furs d'aujourd'hui ne sont plus les beaux gosses en blouson noir de Midnight to Midnight. Le bassiste est devenu franchement laid, mais le chanteur a conservé un air de Bowie, auquel les années ont ajouté quelque chose de Pon-Pon.

Pretty in Pink arrive dès le deuxième morceau, ce qui est trop tôt à mon goût, la voix de Butler n'étant pas encore chaude. Petite déception. La performance musicale est tout à fait correcte. La playlist aussi, même si je regrette ne pas avoir eu droit à My Time.

Par contre, Butler aurait dû s'abstenir de prendre un ecsta par-dessus son café sucré à la coke. Outre le fait qu'il ne tenait pas en place, il nous a sorti la panoplie complète des pitreries du vieux pilier de bar-karaoké bourré: il a mimé les paroles des chansons, il a fait l'ange qui bat des ailes à côté du rythme et surtout, il s'est pris pour une toupie pendant la moitié du concert, tournant sur lui-même au ralenti, l'index pointé vers le ciel.

Dommage, car au final, le jeu de scène m'a empêché de bien rentrer dans le concert.

Acte 5: No Easy Street

Face à Echo & The Bunnymen qui commençait sur les chapeaux de roues, mais est vite devenu chiant, nous décidons de prendre la route.

Soulagement: la porte de sortie de l'Ethias Arena se trouve à côté de la porte d'entrée, ce qui nous évite de nous perdre dans le parking, ou de risquer 100 euros d'amende en sortant par la porte d'entrée. Nous sortons donc, en même temps qu'un quidam qui avait décidé de manger sa brochette dehors. Enfin pas tout à fait. Au Sinner's Day, pas de clopes à l'intérieur... et pas de brochettes à l'extérieur: le type s'est fait remballer, prié de bouffer son saté bien au chaud. Ici, on n'aime pas trop les mecs qui bouffent dehors.

Eberlués, Al et moi nous rendons à la voiture et nous apprêtons à quitter cette maison de dingues. Affamés, nous engloutissons la réserve de vivres qui trainait sur le siège arrière, non sans jeter des regards anxieux aux alentours, de peur de se choper 1000 euros d'amende (mais avec le logo du festival) pour mangeage hors du site. Tout se passe bien, on se décide à mettre les voiles.

Evidemment, c'est devant la barrière du parking qu'on se rend compte qu'il fallait payer. S'ensuit le dialogue suivant:

- Al: "Où est-ce qu'on paie pour sortir?"
- Gardien de parking: "A l'entrée".

Ainsi s'achève l'histoire de notre soirée au Sinner's Day Festival. C'était absurde, voire sous-réaliste, mais putain, on a vu les Furs!

A regarder pour la postérité : Nina Hagen reprenant Personal Jesus

Bowinage / épisode 1 sur 5 : Cygnett Committee (1969)

2010-10-09T15:55:00.000-07:00

Juin 1968 : un certain David Bowie cherche son second souffle. Son premier album sorti sous le nom de David Jones & The King Bees n'a pas rencontré le succès escompté. Quant aux singles sortis sur le label Deram (Rubber Band, The London Boys), ils peinent à trouver un écho auprès des pontes de la FM. C'est la première grosse déprime de celui qui est en train de composer l'album Space Oddity.

En plein questionnement existentiel, Bowie rencontre dans un pub de la banlieue sud de Londres l'écrivain Constant Malva, qui l'invite alors à venir passer quelques jours de villégiature chez lui, en Belgique, plus précisément à Flénu, une petite bourgade de la région de Mons. Malva était persuadé que la noirceur des terrils du Borinage offrirait à la future pop star la source d'inspiration qui avait manqué jusque là à des chansons trop naïves et enjouées.

Ce pan totalement oublié de la biographie officielle de Bowie l'a donc amené un samedi de l'été 68 à errer sur les berges de la Trouille, la rivière qui irrigue la région des charbonnages. Il y rencontre, assise sur un banc en train de réviser ses déclinaisons latines, une adolescente aux longues boucles rousses, qui n'est autre que ma mère alors âgée de 13 ans seulement. Dans un français plus qu'approximatif, il engage la conversation avec cette jeune fille dont il tombe immédiatement sous le charme mais qui repousse ses avances, encore toute farouche derrière ses épaisses lunettes de lycéenne. A l'époque, ma mère n'avait que faire des pseudo rock stars. Entre ses révisions, elle passait son temps à apprendre par cœur les écrits de Karl Marx et Rosa Luxemburg et ne jurait que par le "grand soir", celui qui quelques semaines plus tôt avait soulevé les Universités de France. Du matin au soir, elle chantait les louanges des prophètes armés et rêvait du jour où elle battrait le record du monde du lancé de pavé.

En cette belle après-midi estivale, elle tente donc d'initier le jeune Bowie aux joies de la révolution permanente. Voilà comment quelques semaines plus tard, de retour à Londres, Bowie composait son hymne Cygnet Committee, véritable appel au soulèvement des masses, qui s'étire sur plus de 9 minutes sur l'album Space Oddity. Morceau d'anthologie, Cygnet Committee dévoile un Bowie sous son meilleur jour. Si le titre s'ouvre sur un phrasé tout en retenue, il évolue vers un final dramatique aux accents gospell, qui traduit à la fois la détresse et la détermination de Bowie qui clame : I will fight for the Right to be Right / I will kill for the Good of the Fight for the Right to be Right.

On sent bien évidemment l'influence de ma mère dans ces quelques lignes : la révolution permanente. L'allusion à la révolution est moins évidente sur la pochette de l'album Space Oddity. Par contre, il est impossible de passer à côté de la permanente.

A écouter : Cygnett Committee

The High Confessions – Turning Lead into Gold with the High Confessions

2010-09-28T14:11:00.000-07:00

The High Confessions, c’est un super groupe. Encore un super groupe. Cette fois-ci, on retrouve au générique des noms comme Chris Connelly (Ministry, Killing Joke), Steve Shelley (Sonic Youth), Sanford Parker (Buried At Sea, Minsk) et Jeremy Lemos (que je ne ferai pas semblant de connaître, je n’ai pas la moindre idée de qui est ce type).

En vrai super groupe, The High Confessions a confectionné un premier super album. Le disque se compose de 5 morceaux, d’une durée qui varie entre 4 et 17 minutes, histoire de montrer qu’en tant que super groupe, on ne fait pas les choses à moitié.

L’album s’ouvre sur Mistaken For Cops, qui frappe directement au menton malgré une structure étrangement linéaire. Le ton est donné, ça sonne comme une version punk du Velvet Underground. Chris Connelly y déclame ses rimes tel un Lou Reed qui aurait découvert la touche Fast Forward. Sanford Parker séquestre sa guitare et lui inflige le supplice chinois à force de lui mattraquer les quatre mêmes notes, encore, encore et encore.

Après cette mise en bouche presque joyeuse, c’est la plongée au sous-sol avec Along Came The Dogs, morceau même pas épique qui dépasse allègrement le quart d’heure. Cette fois, Connelly s’y exprime tel un condamné à mort rampant dans la boue vers le poteau d’exécution, poussé dans le dos par le canon de son bourreau. Les voix se mêlent et s’entrechoquent, répètent et répépètent ce qui ressemble furieusement à une dernière volonté. Et ce ne sera pas un chocotoff. Musicalement, la partition joue la carte bruitiste, croisant Neubauten avec une relecture pleine de larsens de l’intro du Station To Station de Bowie. Ça sent la gare, les aiguillages qui grincent, les portes rouillées qui ne ferment plus très bien, le chien mouillé, la pisse sèche. Une chanson composée à la disqueuse pour des pécheurs qui ne cherchent pas à se repentir. Hautes confessions peut-être, mais ici on revendique ses actes. Alors pour la rédemption, on repassera.

Sur The Listener, c’est l’apaisement après le déluge. Du moins, en surface. Chris Connelly s’agenouille et va chercher au fond de ses tripes une voix plus posée, en ligne avec un tempo plus respectueux de nos muqueuses. Steve Shelley effleure ses peaux, les caresse avec doigté et contribue ainsi à créer cette ambiance de jazz sibérien. Du givre apparaît sur l’écran de mon lecteur mp3 et quand je veux me moucher, je m’arrache des stalagtites au bout du nez. 11 minutes quand même, autant se couvrir d’une petite laine et des bottes fourrées en peau de phoque synthétique. Parce que tuer les phoques, ce n’est pas chrétien.

Avant-dernière étape de ce bad trip annoncé, Dead Tenements tue dans l’oeuf le dernier espoir d’être encore traversé par une onde positive aujourd’hui. Et tant pis pour le grand pardon. Parker a définitivement achevé sa guitare dans un désert noisy et c’est Shelley qui reprend les reines de cette longue agonie qui dépasse de nouveau les 11 minutes bien tassées. Connelly s’époumone sur ce titre, en dialogue avec une batterie qui résonne de loin, de si loin qu’on peine à l’imaginer sur la terre ferme. Shelley y atteint des sommets du genre, faisant surgir ses fûts derrière une couche de crasse opaque, noire, poisseuse. Le batteur de Sonic Youth rappelle au passage que son style est reconnaissable entre tous et qu’il serait bien imprudent de s’arrêter à sa gueule d’ange sorti d’un épisode de Huit ça suffit.

Ultime fait d’arme de cette pièce en cinq actes, Chlorine and Crystal ferait pratiquement figure de happy end si l’asphyxie des quatre plages précédentes n’avait laissé autant de victimes consentantes sur le carreau. Pour la forme, Shelley en revient à un jeu plus métronomique. Parker ressuscite quelques accords et ramène ainsi à la vie ses 6 cordes oxydées jusqu’à l’os. Quant à Connelly, il enfonce le clou une dernière fois sur ce titre épileptique : I would like to crash/If crash is an option. Rien que ça. Ballade cold-wave funéraire, phrasé pastoral, cette chanson se termine sur une descente d’organes en roue libre. Comme si l’expérience en studio avait complètement annihilé toute forme d’humanité chez ces quatre musiciens. Pour les deux dernières minutes de l’album, les instruments reprennent les commandes, s’éteignent lentement et laissent la place à un silence assourdissant.

Tu l’auras compris, l’écoute de cet album m’a laissé quelques profonds stigmates. Je serais bien allé confesser mes péchés. Mais je préfère appuyer de nouveau sur Play et m’enfoncer dans le vice. On se retrouvera en enfer, baby.

A écouter : Mistaken For Cops

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28 septembre 2010, ça se passe à Bruxelles

2010-09-28T12:40:00.000-07:00

Cathedral - The Guessing Game

2010-09-25T14:07:00.000-07:00

Ma vie, mon talent, ma popularité grimpante, tout cela n’est pas toujours facile à gérer. Certes, on me reconnaît dans la rue, les chauffeurs de taxi ont plus souvent l’œil rivé sur le rétroviseur que sur la route et je collectionne les couvertures de magazines de mode à mon effigie. Je suis beau et riche, je suis né comme ça, ne m’en voulez pas. Et pourtant, pourtant, certains païens semblent encore tout ignorer de ma brillante personne. Je me retrouve donc à devoir souvent répéter inlassablement la même rengaine au moment de faire connaissance avec un indigène. Qui je suis, comment je suis arrivé aussi rapidement au sommet, oui c’est ma couleur naturelle, non je ne me suis pas fait refaire le nez, etc. Le blabla habituel quand on passe la moitié de sa vie en classe business entre Londres et Los Angeles.

Pour éviter de parler de la pluie et du beau temps avec le premier quidam ébloui par mon aura, la question des hobbies arrive forcément sur la table, question que je redoute comme une variante sexuellement transmissible de la peste bubonique. Evidemment, la réponse qui me sort de la bouche est toujours la même : la musique. Et en prononçant ce mot, déjà, je sais que les emmerdes vont commencer. Parce qu’il va falloir expliquer quel genre de musique, le dernier album que j’ai acheté, les salles de concert que je fréquente. C’est toujours la galère. Surtout quand mon interlocuteur est persuadé d’être lui-même un grand amateur de rock.

Morceaux choisis, au bar du Georges V :

- Ah oui, mais moi aussi, je vais à plein de concerts rock. Le dernier, c’était Indochine à Bercy. C’était super. Et toi ?
- Non, moi je n’y étais pas.
- Dommage !!! Mais c’était quoi, ton dernier concert ?
- Ecoute… heu… je ne sais plus très bien… heu… laisse-moi réfléchir.
- Calogero à Forest ? Muse au Sportpaleis ? Placebo au Cirque Royal ?
- Non, pas vraiment.
- C’est con. J’adoooooooooore Brian Molko. Mais allez, dis-moi…
- Je crois que c’était Neurosis.
- Oasis ? A Werchter ? Cool, j’y étais aussi.
- Non, c’était Neurosis. A Amsterdam.
- Ah… connais pas. Et… heu… c’est quel genre ?
- Disons que c’est un peu spécial et que ça n’a pas grand-chose à voir avec Oasis.
- C’est du R’n’B ?
- Non, pas vraiment. C’est un peu plus lourd. Et lent. Voilà, c’est ça : du rock lourd et lent.
- Ah ok, je vois. Donc tu écoutes plutôt du…

(A cet instant, je plisse déjà les yeux parce que je sais à l’avance quel est le mot qui va sortir. Comment résumer 30 années d’influences musicales, de Miles Davis à 31knots, de David Bowie à Black Sabbath, de Wire à Mark Lanegan, de Bashung à Suzanne Vega, des Melvins à Nick Cave, d’Iggy Pop à Curtis Mayfield, des Beastie Boys à Michel Magne, de REM à Sonic Youth, des Jesus Lizard à Amon Tobin ? Mais voilà, je le sais, ce mot hideux va sortir. Je l’entends déjà poindre…)

- Donc, tu écoutes plutôt du… hard rock !

Misérable, je suis obligé d’hocher la tête, sachant pertinemment bien que m’obstiner à contredire mon admirateur du jour n’est que pure perte de temps. Rendons-nous à l’évidence : au 21^e siècle, la nuance n’existe toujours pas en ce bas monde.

Donc il paraît que j’écoute du hard rock. Bordel de Dieu. Pour moi, le hard rock canalise justement tout ce que je déteste : des franges bouclées taillées à la règle juste au-dessus des sourcils, des pantalons en cuir avec des lacets de gladiateur sur le côté, des solos de guitare interminables exécutés entre les cuissardes écartées, des batteurs perdus derrière une bonne vingtaine de fûts, des refrains pour stades, des guitares Jackson fluorescentes aux lignes escarpées, de chorégraphies dignes de Véronique et Davina, etc.. Les groupes que j’associe au hard rock, ce sont des bandes de tignasses innommables comme Def Leppard, Aerosmith, Megadeth et même Bon Jovi.

Pour moi, le hard rock, c’est quelque chose qui ressemble à ça :

Mais voilà, pour l’ignare de service, j’écoute du hard rock. Je n’arriverai jamais à me débarrasser de cette encombrante étiquette. Etiquette qui va s’avérer encore plus coriace après t’avoir parlé du dernier album de Cathedral, qui après 20 ans de carrière, vient de faire son entrée fracassante dans mon univers musical. The Guessing Game, double album massif et sinueux, qui s’en prend à tous les clichés du genre, m’a presque donné l’envie de me laisser repousser les tifs.

Cathedral y livre sa lecture très personnelle de 20 années de rock, traversant sans gilet de sauvetage les courants doom, stoner, rock prog, heavy metal et même acid folk. Une approche de la musique qui ne craint pas le kitsch, ni les gros refrains FM qui tachent, la guitare faisant office de locomotive tirant derrière elle une flopée de wagons pas toujours très bien assortis. The Guessing Game réussit ainsi une audacieuse synthèse de tout ce qui a été produit pour animer les bars à motards, les rassemblements de lécheurs de timbres et les grands messes à la gloire du Mal.

Mais je suppose que c’est plus facile de dire que Cathedral vient de nous livrer un grand album de hard rock. Bande d’incultes.

A écouter : le teaser officiel

A écouter : Ghost Galleon (le meilleur morceau de l’album, de loin)

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Leçon de cinéma avec Steve McQueen

2010-09-21T04:30:00.000-07:00

Le cinéma, ce n’est quand même pas compliqué. Il suffit de réunir les bons ingrédients et de laisser la sauce prendre d’elle-même. Pour réussir une scène culte, il faut prendre un grand saladier et y mélanger:

un acteur avec une gueule de serial lover et si possible un pull à col roulé (pour la métaphore phallique);
un coupé sport sous le capot duquel les chevaux ronronnent (s’ils hénissent, c’est foutu);
une musique qui ajoute l’envie de se dandiner en plein climax (s’il faut poursuivre des truands, autant le faire en swingant derrière le volant);
un méchant luisant qui a la bouche à l’envers et qui porte les mêmes lunettes que celles de Moby (et qui ressemble très fort au méchant Américain dans Les Barbouzes);
un assistant du méchant avec un défaut physique majeur pour ne pas oublier dans quel camp il joue (une calvitie, un oeil de verre, une jambe de bois) et, surtout, des gants en cuir noir (là, je suis plus perplexe sur l'efficacité de l'accessoire parce que, ok, c’est classe, mais si les assistants des méchants enlevaient leurs gants au moment de flinguer le gentil héros, ils viseraient peut-être un peu plus juste);
la scène doit se terminer par quelques échanges de tir, une explosion et un crissement de pneus.

Et voilà le travail. Même pas besoin de dialogue.

Chrome Hoof - Crush Depth

2010-09-20T12:38:00.000-07:00

Quand approcheront les fêtes de fin d’année, quand chaque rédaction y ira de son traditionnel top des meilleurs albums des 12 mois écoulés, entre deux pelletées de neige pour dégager l’entrée du garage, on jugera la qualité du canard musical à la place qu’y occupera le dernier album de Chrome Hoof. Car rien ne sert d’y aller par quatre chemins : ce Crush Depth est tout bonnement exceptionnel.

La première écoute s’avère pourtant un poil déstabilisante et laisse l’impression d’un album foutraque, sur lequel s’entassent influences rock, metal, disco, funk et electro. Mais une fois passé le cap de ce beau bordel, on découvre un univers dense, riche… et incroyablement barré. Chez Chrome Hoof, l’indéniable maîtrise technique sert avant tout de prétexte aux explorations des plus téméraires en terres inconnues. Et les associations d’idées pour le moins farfelues me traversent alors l’esprit : Grace Jones accompagnant Tool, les Village People qui signeraient la musique d’un Star Trek réalisé par David Lynch, Mötorhead reprenant les Bee Gees, Jaga Jazzist qui remixe Amanda Lear. J’en passe et des meilleures…

La musique de Chrome Hoof, c’est un peu tout ça à la fois et bien plus encore. Comme me le soufflait encore l’autre jour Jean-Luc Delarue : On dirait des reprises de King Crimson qui datent de 2025. Que dire alors des prestations scéniques de cette dizaine d’Anglais encapuchonnés dans leurs bures à paillettes ? Un vrai régal, tant pour les yeux que les oreilles. Je le dis et je le répète : ces gars-là ont tout pour me plaire. Et cet album mérite cent fois plutôt qu’une le titre de la galette la plus bouillante d'un été qui s'achève dans quelques heures.

Chaudement recommandé.

A regarder : une vidéo de lancement de l'album

A regarder : Vapourise - Vocal Mix (seule la version instrumentale est reprise sur l'album)

A regarder : Chrome Hoof live à Londres l'année dernière.

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Letter From Belgium - LFB002

2010-08-12T05:09:00.000-07:00

Chère maman,

La Belgique est un pays triste. Un pays gris. Plat et humide.

La Belgique est une terre déprimante. Une terre sale. Moite et glissante.

Les Belges sont mous. Un peu lents aussi. Pas très souriants. Ils tirent toujours la gueule. Parfois, quand même, ils rient un peu. Quand ils rient de leurs malheurs.

Ici, l’air est poussiéreux. Les oiseaux ne chantent pas, ils sanglotent, s’étranglent. De toute manière, on ne les entendrait pas. Ici, les avions volent trop bas. Tout ce que j’y vois est en noir et blanc, et souvent même un peu flou. Ici, la couleur n’existe plus.

Tout se perd derrière un voile de brume. Tout s’efface au fond d’un verre de bière. Tout se dilue dans une odeur de marée pas très fraîche. L’hiver n’est pas froid, l’été n’est pas chaud. Au mieux, c’est un pays tiède. Tiède en permanence.

En Belgique, rien n’est sérieux, mais rien n’est vraiment drôle non plus. C’est juste un peu moche, à la limite du pathétique. Presque risible.

En fait, je ne comprends rien. Et je m’emmerde.

Viens me chercher.

Alan

Si on prenait la musique de Letter From Belgium au pied de la lettre (jo-li !), voilà à quoi pourrait ressembler la missive. Un pli rédigé du bout de la plume d’Alan Healy, ou plutôt de son clavier, lui qui, comme son nom ne l’indique pas, sévit retranché quelque part au fond de l’Irlande. Ses albums, il les met en téléchargement gratuit sur le net : des compilations de longues plages atmosphériques, de violentes collisions d’ambiances désolées et des collages délavés qui, mis ensemble, constituent des pièces à écouter de toute urgence.

LFB002 est le deuxième album d’Alan Healy, aka Letter From Belgium. S’il faut absolument y coller une étiquette, on parlera d’ambient dépressif. Et s’il faut absolument établir une comparaison avec un autre artiste, alors on citera The Album Leaf.

Les liens :

http://letterfrombelgium.blogspot.com/

http://www.myspace.com/letterfrombelgium

Heathen Child, la nouvelle vidéo de Ginderman

2010-08-10T14:45:00.001-07:00

En attendant le nouvel album d'Amon Tobin

2010-08-08T10:47:00.000-07:00

Un morceau présenté dans le numéro spécial du magazine Trax, consacré entièrement au 20e anniversaire de Ninja Tune. Ce titre pourrait préfigurer l'orientation tribale d'un nouvel album qui pourrait sortir avant la fin de l'année.

J'irai vérifier tout ça lors de la soirée anniversaire qui se tiendra à l'AB le 30 septembre. Déjà envie d'y être, moi...

A écouter : Eight Sum

Les liens :
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Le site de Ninja Tune
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Trax

Aucan - DNA EP

2010-07-30T14:39:00.000-07:00

C’est ce qu’on pourrait appeler un ballon d’essai. En 2008, les Italiens d’Aucan sortaient un premier album éponyme brillant, mêlant guitares tranchantes et électronique discrète. La mixture faisait l’effet de mets exquis et tenait la dragée haute à Battles, autre prétendant au titre de porte-drapeau d’un math-rock aux accents de Game Boy. A en croire les avis des quelques chanceux qui avaient pu voir nos amis transalpins sur scène, les deux groupes joueraient toutefois dans deux catégories bien distinctes. D’un côté, Aucan décape les murs avec des sets sauvages qui dépassent largement les taux des décibels humainement acceptables. De l’autre, Battles se contente de prestations léchées, techniquement irréprochables mais fondamentalement aussi chiantes que la traversée de l’E 411 dans une Xantia sans autoradio.

Il y a quelques mois, Aucan frappait une nouvelle fois avec un EP de 5 morceaux au titre ambitieux : DNA. Faut-il en déduire que ce disque renferme le code génétique des compositions et influences du combo italien ? C’est bien possible, parce qu’avec ce mini-album, Aucan ratisse large et propose 5 chansons aux accents divers et variés. On passe d’un rock incisif à une électro agressive (ils revendiquent d'ailleurs l’étiquette de dubstep !), on a même droit à un morceau chanté qui se veut planant (mais qui ne vole pas très haut, il faut bien l’avouer) et le final se décompose comme un interminable bourdonnement dans la grande tradition du drone le plus obscur.

Au moment de régler l'addition, on reste donc sur l'impression d'un menu 5 services de haute tenue, emmené par deux hors-d'oeuvre de gros calibre (Rooko et Crisis), même si le plate de résistance (DNA, chanté sans grande conviction) s'avère quelque peu amer. Difficile toutefois de réprimer un rot salvateur au terme d'un pousse-café solidement corsé.

A noter pour les curieux que Aucan vient également de sortir un 45 tours en split avec Talking Dead, qui propose une version remixée de Crisis, destinée paraît-il aux DJ.

A regarder : Crisis

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Indian Jewelry - Totaled

2010-07-12T11:47:00.000-07:00

Vouloir ressusciter le rock psychédélique à coups de synthés fumants est décidément une activité très à la mode. Au milieu de ce peloton aux yeux mi-clos, on reconnaît aisément ceux qui se dopent en se contentant de fumer la moquette. Et parmi les échappés, on distingue les autres, ceux pour qui le petit déjeuner ne s’arrête pas chez Tonton Tapis et qui préfèrent oser le menu trois services : on fume la moquette en entrée, on sniffe la colle à tapisser en plat de résistance et, en guise de dessert, on avale un bout de ce plancher encore tout mérulé.

Indian Jewelry appartient indubitablement à cette deuxième catégorie, celle qui fera la course en tête. Ce n’est plus un voile de fumée qui plane sur leur musique, c’est carrément un brouillard radioactif aussi opaque que les muqueuses rectales d’un taureau par une nuit sans lune. Cette brume est tellement épaisse qu’on dissocie difficilement les voix de la batterie, les guitares des claviers. Psychogènes obligent, cet album donne la furieuse impression de tourner au ralenti, malgré le recours massif aux machines en tous genres, pourtant censées tenir la baraque au moins au niveau du rythme.

Cette bande d’allumés accouche donc d’un album qui flotte quelque part entre ici et là-bas, une bouillie aux pupilles dilatées, difficilement palpable, noyée sous des hectolitres d’artifices. Et pourtant, je dois reconnaître que ça fait mouche. Oceans, la plage d’ouverture se révèle d’une redoutable efficacité ; Excessive Moonlight peut se vanter d’une des lignes de basse les plus entêtantes de ce début de siècle et Never Been Better apporte cette petite montée d’adrénaline qui permet de sortir de la torpeur anxiolytique qui s’installe lentement mais sûrement.

Quant à ceux qui sont totalement hermétiques à ce genre de musique, l’écoute de ce disque leur sera un supplice interminable.

A regarder : Lapis Lazuli

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La Bamba triste : l'oxymore selon Pierre Billon

2010-07-03T01:29:00.000-07:00

Oxymore n. m.

Figure de style qui consiste à placer l'un à côté de l'autre deux mots opposés (voir antonymes). On trouve des cas célèbres d'emploi de ce procédé :

« Cette obscure clarté » (Corneille, Le Cid ), un silence éloquent, un mort-vivant etc.

Ce procédé crée un paradoxe, une image surprenante. Il s'agit d'ailleurs le plus souvent d'une métaphore. On l'appelle aussi parfois « alliance de mots » ou oxymoron.

Il ne doit pas être confondu avec l'antithèse.

L'un des plus beaux oxymores de l'histoire reste assurément La Bamba triste de Pierre Billon.

A regarder : l'original

A regarder : l'explication

A regarder : la version unplugged, 26 ans plus tard.

Source : www.labambatriste.com

Lilium - Felt

2010-06-30T12:47:00.000-07:00

Puisque, sur album, Wovenhand ne parvient plus à m’émouvoir comme avant, je vais commettre une légère infidélité. De ces infidélités un peu sordides, celles qui restent confinées dans le cercle familial et qui dévient parfois vers la consanguinité. Complice de cet impair : le bassiste français Pascal Humbert et son propre projet Lilium. Je dis bien « projet » parce que l’exercice de style pourrait difficilement être qualifié de groupe à part entière. Au gré des morceaux, il s’entoure des musiciens et vocalistes qui donneront à ses compositions tout le lustre qu’elles méritent. Bienvenue dans un concept à géométrie variable, un album qu’on compose à la carte avec les ingrédients de saison.

Si tu ne le connaissais pas, Pascal Humbert était le bassiste génial de feu 16 Horsepower, et depuis lors, reste le lieutenant fidèle de David Eugene Edwards au sein de Wovenhand. Compte tenu du caractère en acier trempé de l’allumé du Colorado, on peut imaginer que Humbert avait besoin d’une soupape de sécurité, un espace rien qu’à lui pour exprimer tout ce qui ne rentrait pas dans son rôle d’équipier de luxe.

Voilà donc comment est né Lilium, dont Felt est le troisième album en environ 10 ans d’existence. Plus posé, plus sage, plus atmosphérique que ses illustres cousins, Lilium s’écoute comme la bande son d’une traversée qui nous emmènerait au cœur de l’Amérique, celle des plaines désertiques, des routes à n’en plus finir et d’un soleil qui ferait transpirer nos chemises. Autour de la basse, ou de la contrebasse, viennent se greffer ici quelques accords de guitare, là une poignée de notes de piano et parfois mêmes des cuivres discrets. Des voix – féminines, masculines ou les deux – ajoutent une touche humaine à ce qui s’apparenterait autrement à la visite d’un village fantôme, perché sur un cheval rachitique et assoiffé, à la recherche de quelques gouttes d’eau dans un abreuvoir rempli de scorpions.

Felt s’impose comme un album d’une beauté assez brute et introvertie qui, sans tomber dans la facilité, ratisse du côté du folk, de la country, du jazz, du blues. Avec à l’intersection de tous ces styles toujours cette impression de chaleur étouffante, cette sueur qui ruisselle dans la nuque, ce soleil aveuglant. Un album qui sent le vieux cuir usé et le tabac à chiquer.

Une bien belle réussite pour un troisième album qui passera certainement entre les gouttes.

A écouter : Right were you are

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Sur le label Glitterhouse

Lumerians - Burning Mirrors

2010-06-25T14:18:00.000-07:00

Ami chasseur de buzz, toi qui pistes The Next Big Thing, ce qui suit risque de t’intéresser. Ce n’est pas dans mes habitudes de disserter sur un single, mais celui-ci en vaut vraiment la peine. Lumerians, c’est une bande de joyeux allumés originaires de San Francisco qui pratiquent un rock psychédélique qui plane tellement haut qu’on en attraperait le vertige. C’est limite si je ne dois pas bouffer trois Touristil pour faire passer le mal de l’air. Chacun y trouvera les références qu’il veut, mais moi, je ne peux m’empêcher de penser à ces vieilles BO de films français, à l’époque où Michel Magne et Jean Yanne versaient du Ricard jusque dans leur café du matin. Un peu comme ce qu’avait essayé de faire Bertrand Burgalat en sont temps. Mais le résultat est ici nettement plus bluffant.

Ce single, Burning Mirrors, fait suite à un premier EP épuisé, que je n’ai donc pas eu la chance d’écouter. Un album serait en préparation. Et je l’attends de pied ferme, parce que ces guitares qui vrombissent, ces claviers qui annoncent l’arrivée de Fantomas, cette basse qui rebondit sur chaque coup de grosse caisse et cette voix de cosmonaute qui aurait sniffé du Zyrtec, tout ça me transperce de partout. Ça déclenche des réactions chimiques, des arcs électromagnétiques qui mettent en communication mes petits orteils avec ce qui me reste de cheveux. Pour paraphraser un de mes nouveaux amis qui ne se reconnaîtra peut-être pas : « C’est de la balle de guerre ! »

Pour assurer un décollage parfait, les Lumerians devront sans doute miser sur le bouche à oreille. D’où cette vidéo complètement déjantée qui circule sur le net depuis quelques semaines et qui contribuera peut-être au buzz : une relecture sous psychotropes de La Chance aux Chansons de Pascal Sevran, une prestation fantomatique appuyée par un jeu de lumières revenu des années yéyé et un public dans lequel on jurerait avoir croisé Claude Gensac et Mireille Darc en train de se lécher le steak.

Je le répète : j’attends l’album. Mais je suis déjà totalement fanatique de ces Lumerians.

A regarder : Lumerians @ Dance Party Revival

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Higamos Hogamos : Sorcery EP

2010-06-19T14:42:00.000-07:00

Il y a environ un an, j’évoquais en long et en large le premier album de Higamos Hogamos, qui réalisait la synthèse parfaite de tout ce qui se fait en matière de musique sous influence : rock psyché, glam rock, electro et house. Ou la rencontre anachronique de David Bowie, Marc Bolan et Daft Punk. Un vrai régal.

Aujourd’hui, le duo londonien se repositionne sur le balcon avec sous le bras un EP de 6 titres pressé à la va-vite sur des CD-R commandables via le label All Time Low. Cet EP salue le passage à une musique strictement instrumentale, beaucoup plus marquée par l’électronique et le funk que par le rock de nos parents. Le résultat est du coup beaucoup plus dansant… mais également nettement plus opaque et hermétique. Une musique qu’on écouterait moins avec ses potes que le premier album. Un disque plus autiste, plus fermé.

Tout cela s’inscrit en prévision d’Atomized, un deuxième album dont la sortie est prévue « dans le courant de l’année ». Sorcery ne serait donc qu’une sorte de brouillon, une sortie de piste contrôlée avant le grand ramdam. Une chose est sûre : il faut suivre ce groupe à la trace. Il y a un potentiel énorme là-derrière.

A écouter : Infinity plus one (extrait du 1^er album)

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Sur All Time Low

Sur DC Recordings

Jamie Lidell – Compass

2010-06-01T13:46:00.000-07:00

Après avoir exprimé mes doutes sur le dernier album de Wovenhand, voici que j’étale ma frustration à propos de Jamie Lidell à pleines tartines. Multiply était un album bourré d’idées, les remixes de Multiply Additions laissaient présager de possibilités de recyclages à l’infini. Et depuis… depuis plus grand-chose à se mettre sous la dent. Jamie Lidell s’enferme dans un carcan bien trop étroit pour lui et évolue désormais dans la catégorie des petits joueurs, ceux qui tendent les bras aux honneurs de la FM.

Comment est-il possible de se débarrasser aussi rapidement de l’esprit frondeur de Multiply ? Comment les aventures electro-soul ont-elles viré dans cette espèce de bouillie r’n’b qui pue franchement la chambre d’adolescente ? Un mystère de plus.

Et pourtant, un titre comme The Ring ramène au triple galop les relents de cette époque où Lidell osait encore mêler sa voix incroyable à toutes sortes de dissonances venues d’ailleurs. Et puis, il reste cette vidéo postée la semaine dernière sur le site de la Blogothèque et qui cultive l’espoir : Jamie Lidell n’est peut-être pas totalement moribond. Il se fout juste un peu de notre gueule.

A regarder : The Ring

A regarder : Jamie Lidell en Concert à Emporter pour la Blogothèque

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Tunng - And then we saw land

2010-05-25T13:48:00.000-07:00

Prendre un coup de vieux, à deux semaines de mon 31^e anniversaire, c’est aussi réaliser que Tunng en est déjà à son 4^e album… alors que je n’avais même pas remarqué la sortie du 3^e. C’est aussi prendre la mesure du chemin parcouru depuis ce fabuleux premier single Tale from Black sorti quelque part en… 2004. Comme si c’était hier.

Ce nouvel album de Tunng, à mon avis, c’est le meilleur jusqu’à présent. Avec ce soleil qui perce de nouveau, ce disque fait l’effet d’une douche bien glacée après une rude journée. Un truc léger qui emporte avec lui tous les soucis du quotidien. Une sorte de roulé boulé dans une prairie qui sent l’humidité et la fraîcheur d’une nuit d’été.

Cet album suit une narration surprenante. Après une entrée en matière truffée d’hymnes à la bonne humeur (Hustle et surtout Don’t look down or back), Tunng s’aventure dans des méandres moins évidents. Le côté très maîtrisé des premières compositions se dilue dans des structures qui se compliquent, qui s’éloignent des arpèges de guitare purs et durs et se dissimulent derrière quelques machines qui s’invitent là où on ne les attendait peut-être pas.

Reste le grain de voix inimitable d'un chanteur qui semble incapable de s’exprimer autrement qu’en chuchotant. Ce qui rend la musique de Tunng justement tellement… nocturne et aérienne.

A regarder : Hustle

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Wovenhand – The Threshing Floor

2010-05-14T01:51:00.000-07:00

Fidèle à une image aussi opaque que le noir de ses chemises, David Eugene Edwards reste une des grandes énigmes de la musique folk américaine. Auteur de certaines des plus belles perles des années 90 avec 16 Horsepower, il s’obstine depuis 2000 avec un Wovenhand qui peine à convaincre sur disque. Jusqu’à présent, seuls les albums Consider The Birds et Mosaic étaient parvenus à approcher le sublime des temps jadis.

Même constatation avec The Threshing Floor, encore tout chaud dans les bacs et à mon humble avis le moins bon de tous les albums de Wovenhand. Trop produit, trop mal produit ou justement trop bien produit ? Il n’en demeure que sur disque, David Eugene Edwards s’éparpille derrière des artifices qui diluent justement le cœur de sa musique : des notes et des textes censés lui sortir des tripes mais qui percent mal un brouillard d’effets sonores reproduisant (plutôt mal) des ambiances de marche militaire du XIXe siècle, des univers inspirés de la musique native américaine, voire carrément certaines harmonisations médiévales.

Le verdict est sans appel : d’une oreille ou de l’autre, The Threshing Floor est une immense déception, même si tout n’est pas à jeter aux orties. On pourra toujours retenir la splendide ballade Singing Grass (et dans une moindre mesure His Rest) qui se démarque justement par son côté très dépouillé. Et éventuellement le titre The Threshing Floor qui, sans être transcendant sur l’album, s’est révélé d’une puissance phénoménale sur scène… Et oui : nous voilà arrivés à la question cruciale : et en live, ça donne quoi ?

Wovenhand était de passage à l’AB ce mercredi. Le cœur serré de cette nouvelle déception sur CD, j’y allais la tête pleine de doutes. Il n’aura fallu qu’une poignée de secondes au prêcheur du Colorado pour remettre l’église au milieu de la scène. Le cul qui ne tient plus en place sur son tabouret, David Eugene Edwards y revisite son répertoire avec toute l’énergie et le mysticisme qu’on est en droit d’attendre de la part d’un musicien aussi possédé. Le corps traversé de secousses, il offre en concert une lecture nettement plus brute et intense de ses compositions. Malgré les tensions qui ont mené à la séparation de 16 Horsepower, le bassiste Pascal Humbert reste fidèle au poste. Sur les planches, l’alchimie est parfaite : ce dernier, absorbé par sa musique, ne fait plus qu’un avec son instrument, le regard perdu entre ici et là-bas. Quant à David Eugene Edwards, si ses yeux ne se révulsent plus comme à la grande époque, il s’extirpe toujours avec autant de passion. Les mains tremblantes, il exécute chaque nouvel accord de guitare comme un spasme qui lui serait dicté d’ailleurs.

D’où cette constatation un peu amère : comment un groupe aussi puissant sur scène parvient-il à foirer avec autant de dextérité le résultat sur album ? Une énigme, je te disais…

A regarder : un petit concert acoustique privé (et la fameuse "banjoline")

A écouter : Singing Grass

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Lilium (Pascal Humbert)
Le label Glitterhouse

20 ans déjà...

2010-05-10T13:02:00.000-07:00

Si je me souviens bien, j’ai fait mes premiers pas dans l’univers impitoyable de Ninja Tune avec l'indispensable triple compile Xen Cuts, qui célébrait les 10 ans du label britannique. A l’époque, on connaissait surtout les grandes pointures : Coldcut, The Herbaliser, Amon Tobin, Kid Koala, etc. Mais derrière les as des platines, se cache aussi toute une nuée d’artistes que j’ai rapidement appris à apprécier : la drum’n’bass nerveuse d’Animals on Wheels, le jazz sophistiqué du saxophoniste Chris Bowden, le rock psyché de Super Numeri (et puis le glam rock de son bassiste Pop Levi), l'electro déglinguée de Hexstatic, les premiers pas de Roots Manuva, les samples retro des Polonais de Skalpel, le funk latino de Homelife, l’acid lounge de Bonobo, les improvisations de Pest, le hip hop très orienté rock de Blockhead et Sixtoo, les sons synthétiques de Jaga Jazzist, les envolées de Cinematic Orchestra, le folk adouci de Fink, j’en passe et des meilleurs.

Dans chaque style, Ninja Tune a toujours sélectionné le gratin du gratin, avec cette même soif d’expérimentation et ce souci du travail bien fait. C'est peu dire que d'affirmer que ce label a énormément contribué à m'éveiller aux plaisirs des musiques électroniques...

Et puis voilà que tombe la nouvelle qui ne va pas nous rajeunir : Ninja Tune soufflera ses vingt bougies le 20 septembre prochain. Pour célébrer l’événement, le label a mis les petits plats dans les grands : une série de compilations de titres rares et inédits feront prochainement leur apparition dans les bacs. Et pour patienter, on a droit à un site dédié qui proposera régulièrement différents morceaux inédits et remixes en téléchargement gratuit. A côté de ça, les concours et autres happenings se multiplieront jusqu’à la date ultime du 20 septembre. On est gâté.

A suivre de près…

A regarder : la mise en bouche

Les liens :
www.ninjatune.net
www.ninjatunexx.com

www.myspace.com/ninjatune

Keiki - Waltham Holy Cross

2010-05-01T10:26:00.000-07:00

Keiki, pour moi, c’est une histoire à l’envers. Ou plutôt une histoire de trucs qui tournent à l’envers. Keiki, j’ai découvert via l’autre projet de sa Dominique de chanteuse : BabyFire croisé en live il y a quelques semaines à Bruxelles. Ce soir-là, ayant allègrement dépassé la frontière raisonnable des trois gin tonic par apéro, je me permis après le concert d’apostropher ladite Dominique, armé d’un compliment aussi sincère que maladroitement énoncé : « Puisque tu as une super voix, pourquoi est-ce que tu ne l’utilises pas ? »

Ou comment mettre les pieds dans le plat quand le cerveau et la langue baignent encore dans une flaque de Schwepp’s amélioré et que les iris lorgnent méchamment sur l’intérieur des paupières. Mais manifestement, Dominique n’est pas du genre à se vexer ou à courir derrière les éloges courtois, creux et insipides. Maladresse n’est pas affront, même si en reprenant mon train ce soir-là, je me sentais particulièrement malotru, une sorte de grossier merle donneur de leçons parfumé au London Dry.

Quelques semaines plus tard, Keiki se produisait sur la scène du Magasin 4. Hasard du calendrier, il fallait de nouveau que j’arrive sur place avec quelques bières et une demi-bouteille de pinard derrière la cravate. Après un concert intense et impeccable, je vais m’acheter l’album et en profite pour dire à Dominique tout le bien que j’en ai pensé… mais ne peut m’empêcher d’adresser une nouvelle critique, cette fois à l’égard d’une reprise de Black Sabbath qui ne me semblait pas être le meilleur choix.

Rustre : adj. Du latin « rusticus », rustique ; de « rus », la campagne. Qui est très rustique, très grossier. Se dit d’une personne qui manque d’éducation.

Ultime épisode de cette trilogie de la vulgarité passée en marche arrière (le side project, le concert, puis seulement le disque) : l’écoute de Waltham Holy Cross, le deuxième album du duo bruxellois. Les 17 chansons sont ici présentées comme de la pop satanique. Une rapide recherche m’apprend que la pop satanique trouve ses origines dans la musique des Beatles, dont les messages subliminaux qui n’étaient perceptibles qu’en passant les disques à l’envers invoqueraient la parole de Belzébuth lui-même. Charles Manson s’en serait même inspiré pour perpétrer ses crimes sanguinolents.

L’honnêteté me pousse à avouer que je n’ai pas fait l’effort de passer l’album de Keiki à l’envers pour vérifier s’il dissimulait des discours de Daniel Ducarme ou des interviews de Justine Hénin. Mais à l’endroit en tout cas, c’est déjà renversant. Difficile de ne pas rapprocher le timbre de Dominique à celui de PJ Harvey (ou même à celui de Tori Amos, mais c’est peut-être la couleur de cheveux qui fait ça). Ses textes toisent une guitare qui passe du rock au ROCK et puis au ROCK, et sautillent au son d’une boîte à rythmes synthétique. Moi, personnellement, j'ai une petite préférence pour le titre Vital.

Alors, vraiment satanique la pop de Keiki ? Oui, si Satan vient de Mars, parce que moi, cette musique, je la qualifierais plutôt d’extraterrestre. Mais c’est peut-être l’effet du Theremin, cet engin diabolique (ah, nous y voilà !) qui rappelle le bruit des soucoupes volantes des films de série Z en noir et blanc. Tu te souviens, ces assiettes en porcelaine où on voyait encore les fils qui les faisaient tourner en rond quand étaient censés débarquer les Aliens ?

Conclusion : une trilogie peut-elle avoir un quatrième épisode ? Oui, ça s’appelle un épilogue, me souffle-t-on dans l’oreillette. Verdict hier soir, puisque Keiki avait l’immense honneur d’ouvrir pour Enablers. J’y croise Dominique et lui annonce que j’ai écouté l’album, ponctuant ma phrase d’un silence marqué.

Et alors ?

J’ai beaucoup aimé.

De l’avantage d’être à jeun de temps en temps.

A regarder : Ironing Man

A regarder : une leçon de Theremin

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Sungrazer - s/t

2010-04-25T13:12:00.000-07:00

Je n’ai jamais pu rentrer dans le dernier Motorpsycho. Trop hermétique pour mes grands pavillons. Pareil avec le dernier Queens Of The Stone Age. Mais celui-là était justement trop accessible pour mon marteau, mon enclume et mon étrier. Allais-je devoir laisser tomber le stoner rock à tendance psyché ?

C’était sans compter sur le trio hollandais Sungrazer qui vient de sortir son premier album éponyme. En cinq morceaux qui tournent autour des 7 minutes, l’affaire est emballée : riffs gonflés de sucre, saturations juteuses, refrains entêtants pleins de couleurs…

En faisant abstraction de certains effets de style purement psyché (les échos en ping pong, les solos souterrains, les ralentissements de tempo au frein à main), on jurerait parfois croiser le spectre d’Alice In Chains, particulièrement criant sur le morceau Mountain Dusk.

Et si l’album du printemps venait des Pays-Bas ?

A regarder : Zero Zero

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Sharon Jones & The Dap Kings – I Learned The Hard Way

2010-04-22T14:23:00.000-07:00

Loin – mais alors très loin – des frasques d’Amy “La Maison de Vin”, Sharon Jones poursuit sa course en tête du peloton des meilleures ambassadrices du retour de la soul façon années 60. Pour son quatrième album, elle est comme toujours accompagnée de ses fidèles Dap Kings, menés à la baguette par le boulimique Gabe Roth, alias Bosco Mann, l’homme à la redoutable moustache qui sévit derrière chaque sortie du label Daptone Records.

Véritable fanatique du son vintage, Bosco Mann a une nouvelle fois mis tout son talent (et son studio 100% analogique) au service des textes bruts et de la voix chaleureuse de la minuscule Sharon. La technique d’enregistrement (uniquement sur bandes !) rend parfaitement cet effet retro, faisant de cet album un disque intemporel, qui aurait très bien pu être pondu il y a quarante ans.

Ce quatrième album célèbre aussi une certaine forme de retenue : moins dansant, moins funk que les précédents, il met à l’honneur une Sharon aussi à l’aise dans un registre soul pur et dur (Better Things To Do) que dans un gospell blues épuré (Mama don’t like my man). Mais peu importent les arrangements, en vraie héritière de la musique black féministe, elle y déballe ses innombrables déceptions amoureuses comme autant de coups de couteaux dans la poitrine du mâle dominant.

Difficile dans ces conditions de ne pas songer à la splendeur de Pam Gryer dans Jackie Brown, tant I Learned The Hard Way (de loin l'album le plus abouti de Sharon Jones) évoque à lui seul toute la bande son du fameux film de Tarantino.

Petit conseil : si Sharon Jones est de passage dans la région, ne la loupe surtout pas. Sur scène, c’est une vraie tornade !

A regarder : I Learned The Hard Way

A regarder : Sharon Jones parle de son nouvel album

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Bosco Mann parle de son studio

High On Fire - Snakes for the Divine

2010-04-10T13:52:00.000-07:00

Chili, Turquie, Haïti. Tremblements de terre, raz-de-marée, catastrophes naturelles en tous genres. On serait facilement tenté de pointer du doigt les dérèglements climatiques engendrés par l’homme et ses activités de plus en plus polluantes. Quelqu’un a-t-il pensé à blâmer le rock ? Quelqu’un a-t-il songé à cette éventualité ? Et si Haïti avait simplement été submergé par un fan local de High On Fire qui aurait oublié de baisser le volume avant de lancer la lecture de Snakes for the Divine ? Et si la secousse avait ouvert une brèche dans la croûte terrestre, le genre de fissure qui s’étend de Port-au-Prince à Ankara en passant par Santiago ? A méditer…

Parce que ce cinquième album de High on Fire, c’est tout simplement une bombe H en puissance. Les riffs sont surhumains : ça gueule, ça martèle, ça pousse le volume, ça transpire à chaudes gouttes sur les manches. Ce nouvel album, c’est de la brute épaisse, une production de mammouth, un son qui taille comme un rasoir à cinq lames. Cet album, c’est aussi celui qui propulsera High on Fire sur le devant de la scène internationale, puisque le groupe vient d’annoncer qu’il assurera la première partie de la tournée européenne de… Metallica.

Metal, punk, gros bras tatoués, dentition aléatoire, frocs maculés de bière et guitares maltraitées, voilà les ingrédients du disque qui aurait décollé le papier peint des murs de mon appart si ceux-ci avaient été tapissés.

A regarder : Frost Hammer

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Percival Everett - Le Supplice de l'Eau

2010-04-03T07:34:00.000-07:00

On lit avec son vécu, paraît-il. Cela explique sans doute pourquoi j’ai rarement été en tel désaccord avec l’avis de l’éditeur sur une quatrième de couverture. Le Supplice de l’Eau, un livre politique ? Mon cul, ouais… Peut-être si on s’arrête à une lecture au premier degré, peut-être si on succombe aux artifices lancés ça et là entre deux longs monologues sur Socrate et Platon, peut-être si on n’a jamais approché ne serait-ce qu’une seconde ce qu’a traversé Ismaël, le narrateur de cette histoire complètement décousue.

Roman difficile à résumer sans tomber dans l’interprétation toute subjective, Le Supplice de l’Eau pourrait être présenté comme le récit d’un père seul qui raconte au jour le jour comment il vit le deuil de sa fille de onze ans, retrouvée sauvagement assassinée deux jours après sa disparition. Qu’il kidnappe à son tour celui qu’il prend pour le meurtrier et le séquestre dans sa cave semble presque un détail secondaire, tant le propos porte ici avant tout sur le voyage intérieur d’un homme meurtri, désespéré, qui noie son chagrin et sa douleur dans l’alcool et les digressions interminables sur la philosophie antique. Les parallèles trop évidents que dresse Ismaël entre les tortures qu’il administre dans son sous-sol et les crimes perpétrés à Guantanamo ne font office que de diversion, car il ne faudrait pas se tromper de propos : le thème central de ce livre est bel et bien la culpabilité, celle qui pèse des tonnes et vous assomme.

Aussi sauvage et imprévisible que les crimes qu’il est censé dénoncer, le style de Percival Everett fait mouche dans le sens où il brouille constamment les pistes. Les pirouettes narratives servent ici de cache misère, une sorte de pudeur savamment orchestrée avec des chapitres écrits en phonétique, d’autres écrits à l’envers, des flash-backs déroutants, des passages d’une froideur sibérienne, tout cela pour mieux dissimuler une mise à nu d’une sincérité étouffante. Ce livre n’est finalement qu’un faux prétexte : la mise en scène du présent n’est qu’un pansement poreux sur les profondes plaies du passé.

Je n’en dis pas plus.

C’est un livre que je te recommande vivement si tu ne crains pas de te faire balader dans toutes les directions, si tu as le cœur bien accroché et si tu ne redoutes pas de te farcir des chapitres entiers sur Wittgenstein, Sophocle et Aristote. Remarque : le bouquin annonce directement la couleur. La première phrase s’étire sur une page et demie !

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Percival Everett chez Actes Sud

New Quizz On The Blog # 02 : le potager en musique

2010-03-30T13:51:00.000-07:00

Le poireau, ce légume appelé aussi "asperge du pauvre", porreau, poirée, poirette, parfume les soupes et potages. Pour choisir le poireau, la tige du poireau doit être droite, charnue, ferme, d'un blanc brillant, sans taches brunâtres, avec des feuilles bien vertes ni flétries ou jaunies, ni sèches; la racine doit être fraîche et terreuse.

Le coeur blanc est le plus agréable, plus on s'en éloigne et plus il devient ferme, amer et piquant. Le poireau est un légume-feuille à la saveur forte. Il arrive souvent qu'il fasse pleurer quand on le coupe à l'état cru.

Source : http://www.supertoinette.com

Le quizz de la semaine dernière :

Combien y a-t-il de centimètres dans un litre cube ? La bonne réponse était : Demande à Justine Hénin.
Bravo aux valeureux participants.

Du nouveau pour Higamos Hogamos

2010-03-29T13:41:00.000-07:00

J’avais déjà parlé ici d’Higamos Hogamos, dont le titre The Creeper figurait d’ailleurs sur ma fascinante compilation The Beast of 2009. Mélange subtil entre glam rock, electro psyché et clichés pop.

Le duo londonien n’a pas chômé en 2010 et revient avec une hotte pleine de cadeaux :

- Sorcery : un EP de 6 morceaux qui sortira dans le courant du mois d’avril en édition (paraît-il) très limitée.

- Atomized : un nouvel album tout aussi prometteur dont la parution est prévue dans le courant de l’année. Pas plus d’infos pour l’instant.

- Une formation complète avec de vrais musiciens pour jouer live. Et pour éviter le côté trop artificiel qui hante ce type de musique dès qu’on bascule sur scène, le groupe a développé son propre logiciel qui permettra à ses samples de s’adapter immédiatement aux changements de tempo du « vrai » batteur. Je ne demande qu’à voir… Trois dates sont déjà annoncées sur leur MySpace, dont une au Luxembourg.

En guise d’apéritif, de courts extraits de l’EP et de l’album à venir sont écoutables sur leur MySpace. Ça vire carrément « funk de l’espace », façon Herbaliser qui serait passé aux drogues dures.

Irrésistible.

Mmmmmmmm, ça promet tout ça…

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Pterodactyl live à L'Escalier (Liège, le 21 mars)

2010-03-23T14:37:00.000-07:00

Pterodactyl, je crois que ça fait au moins deux ans que j’en parle ici. Dès la première écoute de l’album Blue Jay, j’ai su que je voulais les voir sur scène. J’étais tellement désespéré que j’étais prêt à traverser l’Atlantique pour aller me frotter en frontal à leurs crachats de guitares.

Et puis, une première tournée hors USA qui se dessine. Et miracle, comme pour me remercier, une première escale à Liège en guise d’ouverture de cette escapade européenne. Merci les gars.

Alors autant se la jouer franco : ce n’était pas tout à fait LA claque que j’espérais. J’aurais voulu me faire décrocher la mâchoire, en perdre l’usage d’une oreille et contracter une érection telle que j’aurais été incapable de reprendre le volant pour rentrer, faute de recul nécessaire sur le siège coulissant de ma Volkswagen. J'ai toujours été trop exigeant.

Néanmoins, il faut être honnête : ces petits gars savent se donner sur scène. Je dis « petits gars » parce que les Pterodactyl, c’est vraiment encore des gamins. Je ne suis pas sûr qu’ils atteignent les 70 balais à eux trois. Quand ils passent en revue l’album Worldwild (seuls les emblématiques Polio et Esses seront puisés du premier album), c’est avec un tel acharnement qu’on pardonne les yeux fermés les quelques « errements » d’une guitare qui a du mal à tenir l’accordage sous des assauts d’une telle sauvagerie.

Sur scène, Pterodactyl reproduit à la virgule près la dualité qui m’a tout de suite fait craquer : d’un côté un bordel sonique sans nom, de l’autre une certaine naïveté pop soulignée par des refrains haut perchés. Certains leur reprocheront une rigueur assez approximative. Personnellement, j’y ai surtout décelé une fraîcheur revigorante et toute bienvenue pour souligner l’arrivée du printemps.

Pour ne rien gâcher, Pterodactyl a profité de l’occasion pour annoncer la sortie imminente d’un nouvel album sur le label suédois Deleted Art. La bête intitulée Arnold’s Park devrait être disponible d’ici quelques jours. Et comme les bonnes nouvelles n’arrivent jamais seules, The Green Corridor, un split EP avec Oneida, est également prévu dans les jours qui viennent, cette fois sur le label allemand Altin Village.

Les trois New Yorkais nous en ont offert un premier aperçu dimanche soir. Ceux qui espéraient qu’ils fassent enfin preuve de retenue risquent d’être déçus…

A regarder : First Daze

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Sur le label Deleted Art
Sur le label Altin Village
Sur le label Brah Records
Sur le label Cardboard Records

New Quizz On The Blog # 01 : les incohérences du système métrique

2010-03-23T13:07:00.000-07:00

Toi aussi, tu te poses des questions existentielles ? Toi aussi, tu veux percer des mystères restés hermétiques aux cerveaux des plus grands philosophes ? Toi aussi, tu penses que l’internaute moderne t’apportera les réponses que tu cherches ?

Pourquoi les dobermans n’ont-ils qu’une couille ?

Punky Brewster couchait-elle vraiment avec Henry Varnimont ?

Que reste-t-il de la 7^e Compagnie ?

Comment se brosser les dents avec un chien mort ?

Que signifie l’expression « faire tenir quatre jambons avec un clou » ?

Alors rejoins sans plus tarder la communauté New Quizz On The Blog et partage avec tes petits amis le distillat de ton abondante matière grise. Toi aussi, aide-nous à faire avancer l’humanité là où la physique quantique a montré ses limites.

Toi aussi, exprime-toi chaque semaine sur une nouvelle question qui turlupine l’internaute moderne.

Cette semaine : ce que le système métrique nous a toujours caché.

Note pour les aveugles : la question de la semaine se trouve en haut de la colonne de gauche.

The Slew - 100%

2010-03-20T14:25:00.000-07:00

Pour commencer le printemps sur une bonne note, et si on remuait un peu du popotin ? Le mercure remonte, les journées s’allongent, le bleu du ciel commence à percer… tout ça sent les barbecues, les apéros, les fêtes en tout genre et surtout la musique à fond, la fenêtre ouverte.

A chaque fois que la belle saison revient, un phénomène étrange me pousse à accompagner les premiers rayons de soleil d’une musique plus dansante. Va savoir pourquoi. Cette année, l’heureux élu s’appelle The Slew. Sorti sur Ninja Tune, ce « super groupe » (encore un !) rassemble Kid Koala, Dynomite D (bien connu dans l’entourage des Beastie Boys) et une partie des musicos de Wolfmother. Oui, oui, tu lis bien : des légendes de hip hop qui côtoient ceux qui se voudraient les Led Zep de l’hémisphère sud.

L’idée de la collaboration est partie d’un projet de musique de film avorté, sur lequel les chevelus australiens sont venus poser leurs batteries et guitares très 70’s. Le concept aurait pu accoucher d’une soupe indigeste, façon boulettes faisandées et légumes radioactifs. Que nenni.

On se retrouve bien ici dans la catégorie des toutes grosses cylindrées et l’esprit des Beastie Boys n’est d’ailleurs jamais bien loin. Les samples et les références pleuvent sous un beat toujours soutenu, les scratches débarquent par camions entiers, les bouclés se chargeant du côté vintage. C’est du hip hop / rock bien ficelé, le truc qui t’oblige à frapper le volant de la bagnole en agitant la tête en rythme en regardant les piétons avec ce regard qui dit « Elles sont nazes, tes baskets ».

Bien évidemment, c’est bourré de clichés. Ce n’est même qu’un seul et gros cliché de la première à la dernière note. Mais bon dieu, que c’est bien torché, cette affaire-là.

A regarder : la vidéo de It's all over

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Russian Circles - Geneva

2010-03-07T12:47:00.000-08:00

Les enfants, on sort une feuille de papier et un stylo. Et on note le sujet de dissertation de ce soir : « Si le rock est mort, le post-rock est-il post-mort ? »

A juger le nouvel album de Russian Circles, j’aurais tendance à répondre par la négative. Non, parce que ce post-rock-là peut encore se montrer imaginatif et redoutable, surtout quand il nous épargne les interminables coulées d’arpèges plaintifs et dégoulinants. Voilà donc un album de post-rock varié et pimenté, qui s’écoute à rebrousse-poil.

Le trio de Chicago balance la sauce, négocie ses virages au frein à main, fait monter la température au-delà du raisonnable et a la bonne idée de confiner ses compositions sur des durées mentalement acceptables pour une oreille normalement constituée. A écouter à fond les ballons, l’album se révèle d’une grande richesse : influences punk, grosses montées dans les tours, présence de cuivres ou de cordes pour calmer le traumatisme après la tempête, samples finement disséminés, etc.

Ça sent le classique du genre… et pourtant c’est diablement bien torché. Moi qui ai tant de mal avec les violons, je les trouve ici presque agréables.

Un album qui ne déplaira pas aux fans des Japonais de Mono ou des regrettés Anglais de Bossk.

A regarder : Geneva (live)

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She's chosen darkness

2010-02-21T12:51:00.000-08:00

Il y a quelques mois, j’expliquais comment, confronté à la mort soudaine de mon grand-père, je m’étais retrouvé totalement désemparé au moment de choisir le cd qui m’accompagnerait dans la voiture, sur la route du funérarium.

Comme souvent dans ces cas-là, ma grand-mère n’a pas tardé à lui emboîter le pas. Difficile en effet de trouver un sens au veuvage après 65 ans de mariage.

Vendredi après-midi, celle qui laisse derrière elle une encyclopédie de souvenirs et d’anecdotes usées à force d’être resservies à chaque fête de famille s’en est allée dans un ultime soupir, long et froid. Cette fois-ci, point de réelle surprise : la grande dame était alitée depuis une semaine, rongée de partout par cette saloperie de crabe qui nous emportera tous, à la dérive quelque part entre la mort et un état qui n’était déjà plus tout à fait la vie.

C’était donc le dernier voyage d’une grand-mère assez rock’n’roll en réalité. Même si elle n’a sans doute jamais écouté le moindre accord de guitare. Une grand-mère avec un cœur énorme mais affaibli, un caractère en acier trempé, un sens inné pour raconter des histoires interminables. Une grand-mère qui, il y a quelques années seulement, me prenait à contre-pied en relatant ces deux épisodes incroyables qui l’avaient à chaque fois amenée derrière les barreaux… même si ce n’était que quelques heures en garde à vue.

Eh ouais les mecs, ma mémère, elle a fait de la taule. Qui n’a jamais rêvé d’avoir une grand-mère aussi cool ? Si j’avais su ça quand j’avais 10 ans, j’aurais été le roi de la cour de récré.

Ce vendredi, quand le téléphone a sonné vers 16 heures, quand mon cousin était à l’autre bout du fil pour m’annoncer « C’est fini, elle n’a pas souffert », mon pc était en train de passer une chanson du groupe I Love You But I’ve Chosen Darkness : The Ghost. Je ne suis pas très pratiquant des superstitions et autres sciences des coïncidences, mais j’aime bien l’idée qu’il pourrait y avoir là-derrière un dernier clin d’œil. Elle m’aimait mais a préféré les ténèbres. Comme je la comprends. A sa place, j’aurais fait pareil.

A trente ans, me voilà donc sans grands-parents. Mais la tête pleine de souvenirs en technicolor, le ventre plein de fierté et les yeux éblouis par des modèles du genre. Quand je serai grand-père à mon tour, j’aurai de qui m’inspirer.

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Depuis que je n'aime plus le gris

2010-02-14T13:57:00.000-08:00

Je n’aurais jamais cru devoir en arriver là. Mais c’est un fait, la réalité m’est violemment apparue ce matin : je n’aime plus le gris. Pourtant, jusque là, le gris était ma couleur préférée. Au même titre que le vert, le bleu et le noir. En mélangeant ces quatre couleurs, on obtenait ma couleur préférée.

Plus maintenant.

Plus depuis cette espèce de chape grise qui nous écrase depuis deux mois. Le ciel est gris, le sol est gris, la neige est grise. J’en ai marre de tout ce gris. Ce voile épais m’exaspère. Ce brouillard à moitié opaque m’assomme de jour en jour. Je lève la tête et une sorte de fumée de cigarette lourde et grasse s’abat sur moi, m’écrase la tête et les épaules.

Le gris, je l’aimais bien parce qu’il contrastait avec les autres couleurs. Au milieu d’un monde dominé par le rouge, le vert, le jaune et le bleu, le gris permettait de marquer une rupture, d’affirmer son originalité, de réfuter un discours chromocentrique majoritaire. Mais à quoi bon sortir ses gants gris, son écharpe grise, son manteau gris si, dehors, tout est déjà gris ? Ce ton sur ton de gris est insupportable. C’est comme se faire avaler tout cru par un monstrueux pachyderme bouffeur de planètes. Même les carrés d’asphalte qui apparaissent ça et là entre deux plaques de neige ont un plus bel éclat que cet air ambiant, triste et pesant. L’élément le plus coloré du décor aujourd’hui, c’était un chat écrasé sur le bord de la route.

Le gris, avant, c’était comme une paire de lunettes de soleil, un moyen de se protéger contre les agressions de l’extérieur. Et voilà que le gris devient à son tour agresseur. En plus, le gris, si on en abuse, ça déteint, c’est contagieux. Les mines deviennent grises, les pupilles, les joues, les cheveux, les dents. C’est l’impérialisme du gris. Une pandémie bien plus dangereuse que la grippe mexicaine. Pire que le retour de la lèpre. Qui peut encore prétendre ne pas avoir été contaminé ?

Je n’aurais jamais cru devoir en arriver là, mais la vérité a fait son chemin : j’ai besoin de soleil. Ça me crève de l’avouer, mais la lumière me manque. Le noir et blanc, je n’en peux plus : j’ai envie de couleurs chatoyantes. Il me faut un bout de ciel bleu de toute urgence. Et plus vite que ça, bordel ! Des rouges vifs, des jaunes aveuglants, des verts éclatants et des bleus pétillants. La température, je m’en tape. J’exige juste de la clarté à la place de la brume délavée. Le premier rayon de soleil sera le meilleur, nous débarquerons en masse sur les terrasses et tant pis si nous devrons garder nos moufles pour déguster un Ricard ou une sangria. Mais on le fera, les gars. On célèbrera le retour du printemps comme jamais. On brûlera nos pelles à neige, on recommencera à mettre plus de sel dans nos pâtes que sur nos trottoirs gelés.

On fêtera Ra, le dieu soleil. Quand il daignera revenir.

L’euphorie durera quelques temps. Le temps de s’habituer à ce nouvel environnement coloré.

Ensuite, je le sais, je recommencerai à apprécier le gris, parce qu’on ne se débarrasse pas aussi facilement d’un caractère aussi profondément ancré. Mais là, aujourd’hui, en cet instant précis, le gris, je n’en veux plus. Casse-toi, le gris.

Shrinebuilder : s/t

2010-02-09T13:48:00.000-08:00

Shrinebuilder, c’est ce qu’on appelle un super groupe. Une sorte de dream team du metal. Le Real de Madrid du doom. C’est un peu comme une brigade canine qui rassemblerait Milou, Idefix et Rantanplan. Shrinebuilder est au gros rock ce que 1 2 3 Soleil est au raï. La Ligue des Justiciers en version tatouages et guitares qui tachent.

Annoncée en fanfare depuis bientôt un an, la super formation se compose de Scott Kelly (Neurosis), Al Cisneros (Om, Sleep), Dale Crover (Melvins, Nirvana) et Scott "Wino" Weinrich (Saint Vitus, The Hidden Hand). Que du lourd, que du lourd.

Il y a deux façons d’écouter ce premier super album.

Primo, faire le malin parce qu’on a un (aussi) un beau diplôme universitaire qui ne sert à rien sur lequel apparaît le mot « sociologie ». Et se souvenir que, par définition, le propre d’un groupe, c’est de dépasser la somme de ses composantes. Dans ce cas, Shrinebuilder sent le pétard mouillé à plein nez. Ce n’est pas forcément donné de faire taire des personnalités comme celles de ces quatre gaillards. Du coup, en fonction des morceaux, Shrinebuilder sonne tantôt comme du Neurosis, tantôt comme du Om, tantôt comme du Saint Vitus, tantôt comme du Melvins. Mais rarement comme une entité supérieure, censée représenter Shrinebuilder. De ce point du vue, l’alchimie ne prend pas vraiment.

[Heureusement, il existe une autre façon d’écouter ce disque. Une façon qui commence par le mot Secundo. Attention, c’est parti…]

… Secundo, tu peux simplement mettre un cd dans ton autoradio et te dire que tu vas écouter un putain d’album de rock. Un truc dense, compact, qui balance la sauce à chaque coup de mediator sur les six cordes d’une guitare un peu trop saturée. Un album qui, du début à la fin, lorgne du côté de Black Sabbath parce que, finalement, c’est la bande à Tony Iommi qui a tout inventé il y a plus de 30 ans déjà. Tu peux simplement te mettre derrière le volant et ramasser une baffe à te décrocher la mâchoire. Et te dire que tu passes un super moment.

Ouais, les super groupes, c’est ça aussi.

J’ai hâte de vérifier ce que ça donne sur scène. Le 19 avril à Courtrai.

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Shining - Blackjazz

2010-01-28T13:24:00.000-08:00

En musique comme en amour, il y a 1000 façons d’aborder la mise en bouche. Chacun a sa technique propre pour les préliminaires, avec plus ou moins de succès, la réceptivité de l’orifice, auditif ou autre, jouant ici un rôle prépondérant. On épinglera «l’appliqué», qui s’attardera des heures, méthodiquement, et prendra un soin particulier à respecter chaque étape de la sacro-sainte tournée des grands ducs avant de dégainer l’artillerie lourde, toujours au garde-à-vous, et cracher son unique cartouche.

A l’inverse, «l’impatient», dont la devise serait "droit au but", ne s’encombrera pas d’une machette pour débroussailler le terrain, la colonne de panzers aux moteurs vrombissants se chargeant d’éliminer tout obstacle qui se dresserait sur le chemin qui le mène à sa cible, qu’il atomisera sans pitié d’une pluie de mortier.

The Madness and The Damage Done, morceau d’ouverture du dernier album de Shining, appartient sans conteste à cette deuxième catégorie. En guise de préliminaires, on a droit ici à des caresses menées au démonte-pneu, puisque, en théorie, l’incroyable élasticité du corps humain rend obsolète l’utilisation du moindre vasodilatateur, qu’il soit naturel ou pas. L’entrée en matière est tellement frontale, profonde, éprouvante qu’on pousse un ouf de soulagement quand résonnent enfin les premiers coups de batterie de Fisheye, le deuxième morceau de l’album qui avait pourtant fait l’effet d’un nouveau Nagasaki lors de sa sortie en single. Rage et hurlements féroces : bienvenue dans le nouveau Shining.

Le troisième morceau, Exit Sun, s’impose clairement comme le moment fort de l’album, étiré sur plus de 8 minutes qui nous emmènent dans des territoires escarpés sur lesquels plane l’ombre des Melvins qui auraient fait une overdose d’Aphex Twin.

C’est après que ça se complique. Puisque le titre suivant s’intitule également… Exit Sun.

Fidèle aux références prog rock (pourquoi faire simple quand on peut faire compliqué?), Shining se permet de placer ensuite un morceau intitulé HEALTER SKELTER. Et vu que ce serait trop simple, celui-ci est en réalité une version plus musclée d’un titre qu’on trouvait déjà sur l’album In A Kingdom of Kitsch You Will Be A Monster (mais sous le titre Redrum).

Vient ensuite une version alternative et dépouillée The Madness and The Damage Done, la plage d'entrée. Voilà, le mal est fait. On n’y comprend plus rien. La suite reste dans la même veine, alternant les cuivres et les guitares ultra-saturées.

Celui qui osait encore en douter en prend pour son grade après ce hors-d’œuvre forcément très épicé : Shining poursuit bel et bien l’évolution entamée depuis 4 albums, glissant du free-jazz vers un rock de plus en plus dur, sans jamais trahir ses racines. Résultat : Blackjazz présente déjà toutes les allures de l’album-culte, célébrant un style hybride qu’on pourrait qualifier de «death jazz» s’il fallait lui coller une étiquette. Comme si soudain, il paraissait évident que Napalm Death et Coltrane ne font qu’exprimer la même colère, les premiers en gueulant comme des possédés, le second en extirpant des rafales de notes de son sax. Mêmes fins, autres moyens.

Jazz, rock progressif, métal hurlant, synthés très 80s et électronique hachée. Tu mets le tout dans un shaker et il en ressort cet album grand écart, à ranger sur l’étagère des OVNI, quelque part à côté de ceux de Black Engine, Atari Teenage Riot, Sunn O))) (qui prend une belle claque sur le titre Omen) ou Fantômas. Impossible évidemment de ne pas citer King Crimson, dont une reprise démoniaque – et presque trop facile - du 21st Century Schizoïd Man, 40 ans après l'original, vient parachever ce travail de sape. Déferlante de technique pour asséner un dernier coup de rein, forcément fatal.

Je ne me lasserai pas de rappeler l’incroyable constance du travail de Shining qui, en cinq albums, aura connu une évolution fulgurante, enrichissant à chaque fois sa musique d’éléments nouveaux sans jamais perdre les acquis du passé. Un groupe qui a commencé en tant que quatuor sax – batterie – piano – contrebasse et qui s’impose désormais comme les maîtres d’un rock lourd, puissant, ravageur, technique mais jamais démonstratif.

J’attends la confirmation sur scène avec impatience.

A regarder : 21st Century Schizoid Man

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Nick Cave - The Death of Bunny Munro

2010-01-18T12:18:00.000-08:00

20 ans après la sortie d’un premier roman, le rude Et l’Ane vit l’Ange, Nick Cave a ressorti sa plume aiguisée avec The Death of Bunny Munro, un texte (un tantinet) plus léger et beaucoup moins chargé de symboles religieux que son prédécesseur.

Bunny Munro est un commercial qui fait du porte à porte pour écouler des produits cosmétiques. Depuis ses 12 ans, Bunny est persuadé d’avoir un don : un pouvoir sexuel irrésistible. Résultat: là où certains se laissent guider par leur instinct, il préfère vivre au rythme de ses érections, un train de vie mené à une cadence infernale, Bunny pouvant se targuer d’avoir la braguette particulièrement bien huilée. Dans le Borinage, on dirait qu’il a « la bite en bandouillère ».

Sur la route, entre deux visites chez des clientes – et donc victimes – potentielles, Bunny rêve de l’humidité de l’entrejambe d’Avril Lavigne et du popotin bien rebondi de Kylie Minogue dont les chansons passent en boucle sur l’auto-radio de la Punto.

Après le décès inopiné de son épouse, Bunny décide d’emmener son fils Bunny Junior sur les routes du littoral britannique pour lui apprendre les ficelles du métier. C’est là que commence pour eux un parcours semé d’embûches quand on sait que :

- Bunny Junior, 9 ans, souffre d’une infection aux yeux qui demande un traitement médical adéquat ;

- Bunny Junior reçoit les visites fréquentes du fantôme de sa mère ;

- Bunny père, abruti par la drogue et l’alcool, devient purement et simplement incapable de contrôler la bête qui sommeille au fond de son caleçon.

Voilà pour les préliminaires d’un livre sulfureux et violent, parfois très drôle (j’ai failli pisser de rire dans le train en lisant les commentaires "élogieux" de Bunny sur le physique de Frida Kahlo) mais souvent carrément odieux. Un livre dans lequel fils, père, et même grand-père s'échangent leurs rôles mutuels, au point de ne plus vraiment savoir en fin de compte qui est censé veiller sur qui, qui est l'adulte et qui est l'enfant. Un livre dont on s'imprègne rapidement et qui distille à petites doses la sensibilité des personnages, pour s'achever sur un feu d'artifice où Cave va quand même servir quelques références bibliques... et nous montrer que derrière ses grandes oreilles de chaud lapin, Bunny dissimule également un petit cœur tout mou. Comme chacun d'entre nous, paraît-il.

Le lien

Lire ou écoute des extraits sur le site officiel.

Quand Annie-Mae m'ôte les mots du clavier : http://iclapmydirtyhands.blogspot.com/2010/01/lapin-cretin-death-of-bunny-monroe.html

Belvédère... des der ?

2010-01-10T12:14:00.000-08:00

Au Belvédère à Namur, on a fait ses comptes: puisque le ministre André Antoine (hou!) a décidé de ne pas renouveler les subsides accordés à l'asbl, la programmation va devoir passer de six à deux concerts par mois. Quand le fric ne suit plus, c'est toujours la culture qui trinque. Heureusement qu'il nous reste une bonne dose d'humour, celle qui nous retient chez nous près du poêle au lieu de descendre dans la rue se réchauffer autour d'une Clio qui flambe.

En guise de protestation, le Belvédère nous propose donc de détourner son logo pour marquer notre tristesse, notre colère ou tout simplement notre absence totale de talent graphique. Me reconnaissant à fond dans ces trois vertus, et alerté par l'appel à l'humour potache, je me suis donc penché sur ma souris et y suis allé de ma petite contribution, ma foi très modeste.

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Nouvelle tronche sur le livre

2010-01-10T11:52:00.000-08:00

Mettons les pendules à l'heure immédiatement. L'objectif principal n'est pas de s'échanger les photos de nos ex, ni de faire du lobbying pour le groupe de « ceux qui réclament le peine de mort pour ceux qui réclament la peine de mort », ni même de gonfler nos carnets d'adresses selon le principe qui voudrait que les amis de tes amis seraient aussi mes amis.

L'idée, c'est simplement de disposer d'un espace où échanger ces petites infos qui se résument en une ligne, en une date, en un lien, en une photo ou en une vidéo. Ces petits riens du tout qu'on partage en une seconde et qui permettent de rassembler des quidams autour de centres d'intérêts communs: cette bonne musique qui tache, ces gros livres qu'on n'utiliserait jamais pour remettre d'équerre une étagère Ikea, ces coups de gueule contre toutes ces Mesdames et tous ces Messieurs célèbres qui nous pourrissent la vie de leur médiocrité.

Un petit groupe sur Facebook donc... On verra ce que ça donne. Si ça tourne au grand n'importe quoi, il disparaîtra de toute façon aussi vite qu'il est arrivé.

Le lien:

http://www.facebook.com/#/group.php?gid=248191510355&ref=mf

Et un aperçu de ce à quoi pourrait ressemble le blog d'ici quelques semaines. Si j'ai le temps...

Tout ce qui brille n’est pas Shining – One… three… seven… five

2010-01-09T11:33:00.000-08:00

En ce début d’année, l’événement musical que j’attends avec impatience, c’est évidemment la sortie de Blackjazz, le nouvel album de Shining. C’est toujours prévu pour le 25 janvier, soit encore 16 Leffe le soir pour patienter en dormant du sommeil des braves.

En attendant la date fatidique, les quatre fêlés norvégiens ne tiennent plus en place non plus. Via leur MySpace, à suivre en temps réel pour ne rien louper, ils balancent pendant quelques heures seulement des versions alternatives, histoire de servir un apéro digne de ce nom. Pour Fisheye, le premier extrait de Blackjazz, le groupe a même promis via sa newsletter que si la version alternative recueillait plus de clics que l’originale, elle figurerait également sur l’album.

Un deuxième extrait est d’ailleurs écoutable depuis quelques jours : The Madness and The Damage Done.

Mazette, ça décoiffe cette affaire-là !

A coup sûr, ce Blackjazz sera la déflagration sonore du début d’année. Mes voisins, c’est vrai que je pompe votre wi-fi depuis que je me suis installé dans l’immeuble. Mais à partir du 25 janvier, je vais également vous pomper votre confort acoustique. Prévoyez les boules Quiès, quelques boîtes de Stilnoct, emballez la vaisselle dans du papier à bulles et recouvrez les murs de vieux pneus. Envoyez les gamins en classes de neige, retirez les cadres qui pendent au mur et fixez les armoires au plancher.

A partir du 25 janvier, vous allez retrouver des décibels jusqu’en dessous de la moquette, entre vos doigts de pieds et derrière les oreilles, bien entendu. J’espère pour vous que vous aimez la bonne musique, parce que je vais vous en servir des trains entiers.

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